Il gaucho, Dino Risi (1965)

Faccia a faccia

Note : 3.5 sur 5.

Il gaucho

Année : 1965

Réalisation : Dino Risi

Avec : Vittorio Gassman, Amedeo Nazzari, Nelly Panizza, Nino Manfredi, Annie Gorassini, Maria Grazia Buccella

One-man-show ébouriffant de Vittorio Gassman au milieu d’une palanquée de seconds rôles presque réduits à n’être que spectateurs de l’artiste dans son rôle de capitan moderne. Le déséquilibre est évident, seulement, il n’est jamais bon de tuer la concurrence dans un film en attirant trop la lumière sur un seul élément : le rôle des faire-valoir consiste précisément à mettre en valeur cet élément principal… Quand ils font défaut, la farce peut mal tourner. La prouesse comique de l’acteur du Fanfaron, pour ce détour baroque vers l’Argentine, vaut toutefois le coup d’œil si l’on est fan du personnage (ou curieux des limites théoriques d’une farce construite autour d’un seul homme).

D’ailleurs, la règle se confirme : dans les films de Dino Risi, quand un acteur vampirise toute l’attention, ou qu’au contraire on ne sait pas à quel saint se vouer dans une troupe d’acteurs mal achalandés, le film pourrait être drôle et cruel (ce qui arrive toujours à faire Dino Risi), il manque toujours le petit quelque chose en plus qui fait la marque de ses grands films. Mais Dino peut se contenter à l’occasion de réaliser de bons petits films, on ne s’en plaindra pas.

Comme souvent chez Dino Risi, l’histoire importe moins que la création d’un contexte lui permettant d’insérer des personnages caricaturaux au milieu de situations nouvelles amenées à changer leur nature et la perception que l’on s’en faisait : ceux qui passaient pour de simples caricatures, se révèlent plus humains et attachants qu’annoncés. Ce voyage en Argentine (destination de cette petite bande d’acteurs de cinéma venant présenter un film dans un festival local) permet, dans un premier temps, d’opposer l’exubérance coutumière de Vittorio Gassman à celle quasi similaire d’un riche industriel italien venu faire des affaires en Amérique du Sud et accueillant toujours à bras ouverts ses compatriotes de passage.

La confrontation reproduit un classique de la farce : l’entrepreneur argentin aux racines italiennes incarne la caricature de l’Italien, plus italien que le plus italien des Italiens, un lointain Italien qui ne revendique plus son origine tout en en parlant la langue, nostalgique de ses racines qu’il glorifie à l’envi, l’image aussi de la réussite ostensible et fanfaronne de l’Italie qui s’exporte, un vrai matamore, double grotesque, accentué, du personnage déjà arrogant qu’interprète habituellement Vittorio Gassman. Mais le face-à-face comique entre le pitre crâneur et son modèle plus accentué encore se double d’une autre confrontation : celle avec son clone, l’entrepreneur à l’ambition arrêtée net par une suite de déveines fatales, l’immigré à qui les poches autrefois toujours ouvertes de ses amis ne sont plus accessibles, celle avec son double moins chanceux, devenu moins exubérant et vantard.

L’eldorado et la galère. Les deux faces d’une même pièce que nombre de personnages de Risi (on pense par exemple à celui d’Une vie difficile) regardent tourner inquiets avant d’en connaître l’issue.

L’opposition comique, amusante, finit toujours chez Dino par la satire. Ici, elle tend même parfois au mélodrame ou au réalisme. Vittorio Gassman peut encore, lui, à la fois tenir des chanceux (il n’est pas riche, mais c’est lui qui mène la troupe, signe qu’il a encore du crédit auprès de ceux qui le suivent) et des malchanceux (il tente sa chance au casino, il tente sa chance avec les femmes, et comme à son habitude, il ne fait pas dans la dentelle, accumulant piteusement les revers comme le rappellera sa nouvelle amie industrielle en le qualifiant d’italissimo). D’autres, en revanche, ont cessé de se situer dans cet entre-deux incertain et penchent plus volontiers du côté des poissards ou des losers. Et celui qui fait ici office de double vautré de Gassman, celui qui lui rappelle à quoi il pourrait ressembler s’il ne s’y prend pas mieux, c’est le personnage qu’interprète Nino Manfredi. Un vieux compagnon à qui le personnage de Gassman espère un temps pouvoir tirer quelques sous…

Dommage que Dino Risi ne parvienne pas à recentrer son film autour du duo que représentent ces vieux complices, amis longtemps séparés, contraint qu’il est de retourner à l’entrepreneur, et donc, à la farce.

On pourrait résumer le film par deux situations qui se répondent et qui illustrent bien la nature du cinéma de Dino Risi :

En guise de courtes séquences de transition pour passer d’un lieu à un autre dans la rue, le groupe rencontre un clochard, ce qui soulève la réflexion suivante à Vittorio Gassman : « il est venu tenter sa chance en Argentine il y a cinquante ans, et voilà ce qu’il est devenu. »

Bien qu’anodine, il y a tout dans cette remarque. La cruauté, l’insolence, la lucidité, mais aussi paradoxalement l’inconscience. Le personnage de Vittorio Gassman sait que le monde se compose de gagnants et des perdants, il en accepte les règles, mais semble oublier, ou se moquer, qu’il pourrait lui aussi sombrer dans la même misère. À moins que ce soit une manière pour lui quasi cathartique de déjouer le sort et d’exprimer sa peur de finir de la même façon. C’est toute la beauté des matamores : ils se croient beaux et tout-puissants quand on ne voit que des misérables qui s’ignorent.

Seconde situation : dans la toute dernière séquence du film, l’ami (Manfredi) que Vittorio Gassman retrouve sur le tard, à qui il avait réclamé de l’argent et qui s’était révélé fauché comme les blés, vient le saluer à l’aéroport, de loin, depuis la passerelle. Vittorio (qui s’est fait offrir les frais d’hôtel par le riche industriel) tente par ses gestes de faire comprendre à son vieil ami que s’il souhaite revenir en Italie qu’il l’appelle : il lui paiera le billet retour. Évidemment, son ami ne peut pas l’entendre… La seule fois où cet égoïste fait preuve de générosité, celui à qui il proposait opportunément son aide ne pourra pas en profiter…

La cruauté de Dino Risi. Toujours. Une forme de tragédie dans la comédie capable de dépouiller les espoirs des hommes ou de ne jamais les autoriser à se retrouver. La comédie ainsi ne fait pas figure de fin en soi, mais de seule alternative possible face à l’implacable férocité de la vie.

Si le film parvient bien malgré tout à alterner les séquences comiques et cruelles, voire mélodramatiques, il souffre toutefois d’un léger manque de rythme dû à un enchaînement trop mécanique, trop frénétique, des séquences. Les respirations (séquences, ou simples plans, plus lentes, plus émouvantes, utiles au développement des personnages) sont quasi inexistantes. C’est qu’avec le nombre de personnages proposés, de petites histoires personnelles, le film aurait pu faire trois heures, si bien qu’il donne l’impression d’avoir été raboté partout où cela était encore possible.

Un Dino Risi mineur, mais un Dino Risi toujours.


 

Il gaucho, Dino Risi 1965 | Clemente Lococo, Fair Film


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Pointes de plaisir

La femme qui fait du vélo dont la poitrine se soulève d’un coup en passant sur une bosse procure à un homme le même plaisir innocent et puéril que le sourire inopiné d’une belle inconnue.

Souriez à gorge déployée, mesdames, et que les bosses sur les chemins se déploient comme les pointes du cylindre d’une boîte à musique. « Ouille, aïe, oh, oui… Ouille, aïe, oh, oh… Ah, ah, yayaille… Ya, ya, yayouille. »

C’était la définition du bonheur selon Petit Poucet.




Autres Cahiers garnis :


Le Veuf, Dino Risi (1959)

Una vita di… avidità

Note : 4 sur 5.

Le Veuf

Titre original : Il vedovo

Année : 1959

Réalisation : Dino Risi

Avec : Alberto Sordi, Franca Valeri, Livio Lorenzon

Le film est d’une drôlerie folle pendant les trois quarts du film grâce au talent ineffable d’Alfredo Sordi, à la fois parfait pour jouer la prétention maladroite et bouffonne, la vénalité obsessionnelle doublée (malheureusement pour son personnage) d’incompétence, la bêtise accablée, la forfanterie matamoresque… bref, pour faire du Alfredo Sordi.

Le point culminant du film et qui aurait dû être son dernier acte, c’est quand la chance se retourne d’un coup pour le personnage de Sordi quand on lui annonce la plus mauvaise nouvelle qui soit dans sa situation… Le film se prolonge alors, peut encore convaincre jusqu’à la retraite monastique de Sordi, et doit trouver un dernier rebondissement, une chute finale, et celle-ci, malheureusement, même si elle fait presque littéralement tomber le film dans la franche satire, patine en réalité en peinant à retrouver le rythme, et n’est pas à la hauteur comique de ce qui précède. Le récit abandonne, par exemple, tout d’un coup le personnage de la maîtresse (ainsi que toute sa famille) après avoir justement essayé de la refourguer auprès du riche industriel, et donne ainsi l’étrange impression de regarder un autre film construit sur les chutes du film idéal n’ayant pu se faire ici.

Je crois avoir rarement autant ri, cela dit, avant cette chute ratée, en voyant les bêtises de ce faux-cul d’Alfred Sordi jusqu’à ce que son personnage accède d’une manière inespérée à ces rêves de veuvage précoce et se croie propulsé d’un coup roi du pétrole.

Peut-être également que Franca Valeri n’était peut-être pas l’actrice idéale pour jouer ce rôle d’héritière sans illusions, sans amour, et moins stupide que son mari. Excellente actrice de second rôle, elle me paraît surtout plus efficace en idiote et victime, notamment dans un film pour lequel elle avait participé au scénario : Le Signe de Vénus (tourné par Dino Risi quatre ans plus tôt et où elle était parfaite aux côtés de Sophia Loren). Difficile toutefois de trouver une actrice avec suffisamment de classe aristocratique et de second degré pour s’opposer à ce pitre de Sordi (la même année, Silvana Mangano prouvait qu’elle pouvait être crédible dans une comédie, La Grande Guerre ; et c’est sans doute Lea Massari qui aura été son meilleur pendant féminin dans Une vie difficile). Rendons néanmoins hommage à Franca Valeri qui vient de nous quitter (en août de l’année dernière), une semaine après avoir fêté ses cent ans.

Par toutes ses qualités et ses défauts, ou par les thèmes développés (Alfredo Sordi en homme cupide rejeté par la haute société), Le Veuf rappelle Il boom, de De Sica, tourné quatre ans après. C’est une constante dans la comédie italienne, ce n’est pas le tout de disposer de quelques-uns des meilleurs acteurs de comédie de l’histoire du cinéma, pour faire de grands films, il faut leur trouver des acteurs, plus vraisemblablement des actrices, capables de leur faire face. Les meilleures séquences du film, les plus amusantes, sont celles dans lesquelles Alberto Sordi fait, seul, le show. Cela fait d’excellentes comédies, mais ne fait pas culminer le film à la hauteur des grands chefs-d’œuvre de la comédie italienne. Ceux-ci parviennent presque toujours à proposer une dimension supplémentaire à la comédie. Qu’elle soit dramatique ou satirique.


Le Veuf, Dino Risi 1959 Il vedovo | Cino del Duca, Paneuropa

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Le Chemin de l’espérance, Dino Risi (1952)

L’omnibus des désillusions

Note : 2.5 sur 5.

Le Chemin de l’espérance

Année : 1952

Titre original : Il viale della speranza

Réalisation : Dino Risi

Avec : Cosetta Greco, Marcello Mastroianni, Liliana Bonfatti, Piera Simoni

Dino Risi pour son second film a probablement plus l’œil tourné vers les comédies américaines des années trente qu’une volonté déjà (ou la possibilité) de réaliser des satires à l’italienne. Si l’ode au cinéma qu’on devine dans le titre ne ment pas sur les désillusions produites à la chaîne dans l’usine à rêves qu’est Cinecittà, le spectateur ne trouvera ici aucun humour acerbe, aucune satire, juste le portrait plein de tendresse pour ces acteurs et techniciens qui n’accéderont jamais à la lumière ou à la reconnaissance.

On sent peut-être la volonté chez Risi de calquer les films de coulisses américains sur Broadway (les films de troupes d’acteurs comme Pension d’artistes), mais ça ne prend pas, ou ça prend mal avec un premier acte qui fait plutôt penser au spectateur que le film tournera principalement autour de deux personnages, un cameraman et une jeune actrice. À moins que ce soit un biais d’apparition affectant les spectateurs du vingt et unième siècle. En 1952, Marcello Mastroianni n’est pas encore la star qu’il deviendra, si bien que notre regard de spectateur, à son apparition, imagine tenir son personnage principal. Il n’en est rien… L’affiche du film pourtant ne trompe pas, elle. Malgré cela, le premier acte de présentation semble hésiter entre films de coulisses et films de couple : Marcello disparaît alors un long moment, le récit se recentre sur les actrices, puis il revient, et au final on ne sait plus trop à quel film on vient d’assister.

En dehors de la direction d’acteurs, du goût de Risi pour les petites phrases amusantes en arrière-plan pour ponctuer une scène, l’acidité future du cinéaste n’y est pas encore décelable. Pas non plus de personnages caricaturaux sur le devant de la scène (ils apparaissent, mais plutôt dans les seconds rôles) : Marcello est jeune et beau, plein de classe comme dans les futurs Fellini (avec moins d’assurance, mais avec ce petit quelque chose de nonchalance aristocratique qui hypnotise ; un vrai jeune premier), les hommes mûrs sont respectables ou presque (les mauvais caractères, encore une fois, sont laissés aux seconds rôles), et les demoiselles sont délicieuses et, fait rare dans le cinéma de Dino Risi, occupent les premiers rôles. À se demander si l’on est encore dans une comédie… Parlons plutôt de chronique douce-amère et désenchantée, d’une photographie d’une époque aux studios Cinecittà, ou d’une ode bienveillante dédiée à ces petites gens du cinéma. La véritable comédie à l’italienne, acide et bouffonne, viendra plus tard pour Dino.


 
Le Chemin de l’espérance, Dino Risi 1952 Il viale della speranza | Mambretti Film

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Fantôme d’amour, Dino Risi (1981)

L’acteur et ses fantômes

Note : 2 sur 5.

Fantôme d’amour

Année : 1981

Titre original : Fantasma d’amore

Réalisation : Dino Risi

Avec : Romy Schneider, Marcello Mastroianni

Le souci avec les films jouant sur le mystère, c’est que si on a compris la nature de ce mystère dès la première séquence, et si le récit joue, lui, sur le secret non dévoilé au premier degré, spectateur et réalisateur risquent très vite de ne plus être sur la même longueur d’onde. C’est ce qui se passe avec Fantôme d’amour, si la première apparition du personnage de Romy Schneider peut encore laisser ouvertes toutes les possibilités sur la nature, la suite fait peu de doute… Le récit ne s’embarrasse pas de fausses pistes et ne fait que marteler, séquence après séquence, indice après indice, la même évidence. Si dans les films d’horreur, les portes claquent, le pire qui puisse arriver dans un film sur le « mystère », c’est d’enfoncer des portes ouvertes.

Avec un scénario aussi tristement prévisible, il n’y a, pour mettre un peu de piquant à ce qu’il faut bien nommer un thriller psychologique, que la mise en scène pour forcer à travers quelques effets le mystère, le doute, la peur, l’émotion, etc. Or, ça n’aura échappé à personne, Dino Risi est plutôt un cinéaste de comédie, avec un style sec, épuré, son talent étant surtout celui d’un grand directeur d’acteurs. Ce n’est donc pas sur lui qu’il faut compter pour épicer cette histoire de fantôme. Les séquences oniriques avec filtre cotonneux et grands sourires forcés sont par exemple aujourd’hui tristement risibles.

Si le film est un désastre complet, c’est bien chez les acteurs qu’on peut y trouver quelques frêles éléments de satisfaction : si Romy Schneider ne me convainc guère, j’avoue rester estomaqué devant la performance de Marcello Mastroianni… Dans un rôle pourtant assez largement mutique (là où par exemple un Alain Delon se serait contenté d’être impassible et beau), Marcello, tout en laissant supposer qu’il en livre le moins possible, parvient à nous montrer ce qu’il pense ou ressent comme dans un livre ouvert. C’est dans les gestes ou les réactions les plus simples qu’il démontre son génie : un téléphone sonne qu’il s’apprête à décrocher avant d’y renoncer ; une sonnette de porte vers laquelle il tend le bras avant de se rendre compte qu’elle a disparu ; tout ça, c’est peu de chose, mais c’est ce qu’il y a de plus difficile à faire pour un acteur.

Il faut dans cet exercice de la spontanéité sans qu’elle paraisse feinte. Et beaucoup de simplicité : un visage souvent impassible mais sur lequel tout un monde intérieur se dévoile à travers l’expression du regard ; le regard qui se baisse pour réfléchir en réaction à ce qu’il vient d’apprendre, qui remonte aussitôt, un peu perdu, tandis que la voix tente encore de feindre une expression incrédule ; et si la voix ne suffit pas, y ajouter un sourire, et c’est toujours le regard qui, par le discours en contrepoint qu’il offre par rapport au reste du corps ou de la voix, révèle la nature des sentiments et de la pensée du personnage.

Arrivé à ce niveau de précision et de pseudo-authenticité pour un acteur est rare. Marcello y est un grand habitué (il donnera en 1987 avec Les Yeux noirs le même type de prestation). De ce que j’en sais, cette qualité, on ne les trouve que chez les acteurs qui acceptent de se laisser regarder, chez ceux qui disposent d’assez de générosité pour offrir leur imagination toute nue au public, et enfin chez ceux qui ont accumulé suffisamment d’expérience pour ne pas avoir à forcer leur performance, rongés par le doute ou l’angoisse de mal faire.

En d’autres occasions, Mastroianni sait aussi ajouter à sa palette d’acteurs un peu de fantaisie, ici, il n’y est évidemment pas question. On se contentera de sa simplicité, de son authenticité, de son humilité, car tout ça, c’est déjà, et suffisamment, même dans un nanar, un privilège à voir quand on est spectateur. Quel acteur de génie… Tout le reste n’est qu’écran de fumée. Même Romy ne fait pas le poids.

Marcello Mastroianni et Dino Risi n’auront collaboré que quatre fois au cours de leur carrière, et malheureusement, jamais pour un grand film.


 
Fantôme d’amour, Dino Risi 1981 Fantasma d’amore | Dean Film, AMLF, Bayerischer Rundfunk, Cam Production

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Éclipse, Hiroshi Shimizu (1934)

Note : 4 sur 5.

Éclipse

Titre original : Kinkanshoku

Année : 1934

Réalisation : Hiroshi Shimizu

Avec : Mitsugu Fujii, Hiroko Kawasaki, Michiko Kuwano, Shiro Kanemits

— TOP FILMS

Merveilleux sac de nœuds amoureux (au demeurant, assez peu crédible, mais que seraient les mélodrames sans deux ou trois de ces rencontres fortuites et sans ces entrelacements savants tenant bien souvent du miracle ou du mauvais œil).

Aucune des facéties habituelles du réalisateur, tant sur le sujet (il faut dire qu’on est relativement tôt dans sa carrière et que les comédies de groupes éphémères partis en villégiature — de ce qu’on peut en voir — n’arriveront qu’avec Monsieur Merci en 1936 : avant ça, ce sont les mélodrames qui dominent avec Perle éternelle, Voici les femmes du printemps qui pleure ou Un héros de Tokyo par exemple) que sur le plan formel : à peine Hiroshi Shimizu nous gratifie-t-il ici une ou deux fois de ses travellings chéris.

Le mélodrame est donc tout ce qu’il y a de plus conventionnel avec des amours toujours contraires et impossibles, des personnages presque obstinés à poursuivre une voie qui les détourne du bonheur. Au niveau de la direction d’acteurs (pour ce qui n’est encore qu’un film muet), ce qu’en fait Shimizu est un modèle de précision. L’interprétation tout en retenue et en non-dits est à la hauteur des autres grandes interprétations de l’époque du muet et du début du parlant au Japon. Je crois ne pas avoir retrouvé une même tension dans les rapports amoureux, une telle volonté de sacrifier son amour pour celui de l’autre, depuis Le Printemps d’une petite ville (1948).


Éclipse, Hiroshi Shimizu (1934) Kinkanshoku | Shochiku


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Limguela Top Films japonais

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Paperolles de lecture

À la recherche du temps perdu

Note : 4.5 sur 5.

À la recherche du temps perdu

Année : 1913-1927

Scénario : Marcel Proust

Un amour de Swann

Intelligence vertigineuse d’un mythomane hypermnésique livrant au lecteur toute nue la complexité des raisonnements et réflexions si détestables chez d’autres : le commentaire, l’explication… L’intelligence et la méticulosité sont si prégnantes chez Proust qu’on lui laisse passer ses défauts : son manque de clarté, son intérêt pour ce qui paraît à notre époque si futile, l’irréalisme de certaines situations ou leur faible valeur dramatique (l’épisode où Swann retourne chez Odette en craignant l’y trouver avec un autre homme et voir Proust en faire des tonnes quand vient à Swann le moment de décider ou non de taper au volet de sa belle, le tout pour se rendre compte qu’il s’est trompé de fenêtre… c’est tout de même assez révélateur du style de Proust). À l’image du Miroir de Tarko (ou le contraire), il y a quelque chose dans ce récit qui tient à la fois de l’inceste, de l’impossible et de l’amusement à arriver à se projeter ainsi aussi facilement (ou facticement) dans la vie intime, les pensées même, du père de son premier amour. Le gros du premier volume est ainsi uniquement dédié à l’amour de ce père fantasmé avec une cocotte, et il repart ensuite en reprenant tout son récit à la première personne comme si de rien n’était. Vertigineux toujours, et pour le moins embarrassant, au point qu’on puisse comprendre que s’il y a une bonne part d’expérience personnelle là-dedans, que Proust ait préféré évoquer et inventer un monde parallèle allant même jusqu’à créer des lieux où des personnages historiques qui n’existent pas… Je crains un peu pour la suite, depuis vingt ans, je tourne autour de Proust, mais j’avais bien compris instinctivement que, comme Proust avec sa mère à l’heure du coucher, je ne voudrais jamais quitter Combray. Cette première partie m’avait tellement fascinée il y a vingt ans que je m’étais endormi à la première entrée en scène de Swann…

À l’ombre des jeunes filles en fleurs

J’ai du mal à comprendre comment on peut être aussi précautionneux dans la description de la psychologie des sentiments et en savoir si peu sur les personnages rencontrés. C’était déjà le cas avec Swann, mais avec Gilberte, c’est encore pire : on ne sait rien d’elle, et même sur le jeune narrateur, on ne sait finalement rien à part ces allées et venues incessantes sur la nature de son amour et de sa relation avec Gilberte ; c’est aussi à travers les actions et les décisions qu’on se définit, pas simplement à travers l’étude (réflexions, interrogations, commentaires et comparaisons) qui se veut faussement minutieuse à force de répétitions des sentiments. On ne retrouve en fait rien des artifices géniaux narratifs du premier tome de la Recherche, pire, à certains moments le récit tourne à la description mondaine fatigante. Dans ce premier tome, le décor, l’espace, les objets, donnaient au récit une couleur qui enrichissait le thème de la mémoire : or, c’est beaucoup moins le cas ici, c’est tristement moins visuel, moins sensoriel.

Balbec rehausse l’intérêt de la première partie, on sent peut-être ce lien qu’en fera Visconti avec Mort à Venise (images d’illustration). Celle qui décrit le mieux le style, et donc le caractère de ce petit chou de Proust, c’est encore sa grande mère : « Mais quand même elle se contenterait d’un grattement on reconnaîtrait tout de suite sa petite souris, surtout quand elle est aussi unique et à plaindre que la mienne. Je l’entendais déjà depuis un moment qui hésitait, qui se remuait dans le lit, qui faisait tous ses manèges… »

Du côté de Guermantes

Le triomphe de la mondanité. Proust me perd. Rare moment réellement intéressant et dramatique de ce pavé de bonne famille : la mort de la grand-mère. Si le petit Marcel, devenu grand et con, continue le récit de son ascension dans les salons à la mode, je vais avoir du mal à le suivre jusqu’au Temps retrouvé.

Sodome et Gomorrhe.

Et on y retourne. Comme d’habitude, des mondanités pas très intéressantes, des interrogations, elles, qui le sont déjà plus, sur l’homosexualité (même si Proust se cache derrière son petit doigt et préfère minauder en lui racontant ses pensées intimes), un retour bienvenu mais trop court sur les souvenirs tendres du temps passé à glander à Balbec auprès de sa grand-mère. Parce que c’est ce qu’il y a de plus beau chez Proust… le recours trop rare à mon goût du souvenir nostalgique des êtres qui lui sont chers. Dès que Proust replonge dans un récit chronologique et flou de sa vie pleine de vide (il prend soin de ne jamais rappeler son âge comme s’il s’effaçait le plus possible derrière ses sensations et les sujets mondains de sa “vie”), c’est mortellement ennuyeux ; tout Proust en fait se trouve condensé dans ces passages où il hume le déploiement de ses sens et où il se remémore, et se revoit même en train de se replonger ainsi dans ses impressions passées ou ses souvenirs. Dommage ma petite souris que tu te perdes tant dans les mondanités.

La Prisonnière

C’est devenu une telle habitude, de m’assoupir pendant les longs passages chez les Verdurin, que j’en suis à un point où pour m’endormir, je récite le nom des personnages les plus chiants de la Recherche. Les passages avec Albertine, seuls, sont pourtant de véritables petits chefs-d’œuvre.

… Madame et Monsieur Verdurin, la duchesse de Guermantes, tous les Guermantes, Morel, Cottard, Madame de “Camembert”, Norpois, Saniette, Ski, le Prince von, le premier président, le lift et le chasseur, la princesse de Parme, Albertine (prisonnière), maman… et Marcel !

Proust utilise peu la troisième personne du singulier ou du pluriel. Ici, brièvement, il l’utilise avec le couple Verdurin, mais il l’utilise aussi dans un passage avec Charlus, un peu comme il l’avait fait avec Swann dans le premier roman. Le signe peut-être que Charlus et Swann sont deux identités fantasmées de Proust ou un mélange de souvenirs personnels et de vie fantasmée (beaucoup fantasmée pour Swann, car il y aurait un modèle indiscutable, peut-être dans ce cas le modèle que Proust aurait voulu être).

Proust champion des plantings. Celui de l’épisode de la fille Vinteuil pour suggérer l’homosexualité d’Albertine donne le tournis. Mais globalement, tous les leitmotivs sont des refrains rythmant le récit sur des milliers de pages et qui donnent cette saveur si particulière à la Recherche. J’avoue parfois m’assoupir, et la réapparition de ces thèmes récurrents, ça fait un peu l’effet de notre nom prononcé alors qu’on commence à sombrer… « Hum ? Non, non, je dors pas, je réfléchis. »

Albertine disparue

Donc Albertine meurt et tout ce qui intéresse Marcel pendant 300 pages, c’est de savoir si elle était homosexuelle. Albertine meurt et yolo, je vais enfin pouvoir mener l’enquête. Je t’adore Marcel, pendant que tu t’interroges, au moins, on échappe à toutes les mondanités pour ce coup-ci.

Le Temps retrouvé

Étonnante plongée dans la Première Guerre mondiale. Proust qui, d’habitude, concentre tout son récit sur les commentaires du narrateur avec peu d’évocations contextuelles, ici place précisément ce récit au milieu de la Guerre mondiale avec de réelles mises en situation. Notamment lors de ces séquences avec le baron de Charlus et sa maison de passes ; d’un coup, on se retrouve projeté dans Voyage au bout de la nuit, voire dans Salo et les 120 jours de Sodome, et c’est amusant de voir, et de comparer, à quel point Céline fera presque le voyage inverse de Proust en revenant sur son enfance dans Mort à crédit avec un style toujours, chez lui, basé sur les situations, au contraire de Proust, mais avec une même préciosité dans le style, dans la langue, et qui apparaît ici chez Proust par intermittence avec la même préciosité argotique. (Il arrive que certains extrêmes trouvent un terrain d’entente…)

Waouh ce début du chapitre 3 ! Une sorte de réminiscence ou une redite du début de la Recherche et du chapitre de Combray et de la madeleine, cette fois avec des souvenirs de la place Saint-Marc rappelés dans l’esprit du narrateur par le biais de pavés inégaux. Impressionnant. Si Marcel avait pu soustraire toute mondanité, voire tous les personnages antipathiques de son récit, ne garder que ces réminiscences introspectives, en fait s’il avait pu rester dans sa chambre, ne jamais sortir de chez lui, ne voir personne et imaginer des voyages, des personnages, qui chacun le ramènerait à une portion d’un passé lui-même fantasmé, là oui, ça aurait été encore plus magique. Mais je suis dur, il y a assez dans toute la Recherche d’introspections alambiquées et poétiques (oui, tu es bien un poète, Marcel) pour suffire à mon bonheur.

On dit de certaines personnes qu’elles s’écoutent parler, et ce n’est en général pas un compliment, mais chez Proust, on peut dire qu’il se regarde écrire, et ma foi, c’est assez fascinant : les toutes dernières pages de la Recherche sont en cela assez fantastiques, jouissives. Le narrateur, qui s’est toujours rêvé auteur, double de Proust, qui se dit qu’il serait temps de devenir cet écrivain qu’il a toujours rêvé d’être et qu’il a peur de ne plus être capable de devenir à l’orée de la mort, même accidentelle. Toujours dans une sorte de mise en abîme introspective, il (le narrateur) se sait avoir accumulé d’innombrables idées au cours de sa vie (parfois mondaine), se voit comme une mine dont lui seul serait capable d’exploiter les ressources, et qu’il serait dommage par conséquent de ne pas les exploiter… Touchant et beau. Après mille écarts mondains, la petite souris retourne dans son nid. Le temps retrouvé.


Les conseils santé-écolo de Doctie Sumo

Eh, oui, c’est le retour des conseils santé de Doctie Sumo ! 5 ans sans vidéo, je sais que je vous ai manqué ! Ainsi, pendant mon absence les abonnés se sont multipliés, vous êtes désormais 125 000 abonnés à me suivre. Merci à vous !

Pour cette nouvelle vidéo événement, j’honore un nouveau sponsor. Si vous voulez aller directement à la vidéo et suivre le sujet du jour, je vous conseille d’utiliser la timecode située en bas de l’écran.

Ce sponsor, c’est La Saveur des goûts amers, un site écrit et réalisé par Limguela (prononcé « l’un-gué-là », il y tient paraît-il — Cyril Hanouilla aurait prononcé « lime gueule là », quelle gaffe !). Vous trouverez le lien du site tout en haut à gauche. Je vous laisse le découvrir. Pour faire court, Limguela a un blog où il fait comme votre serviteur, donner son avis, mais avec moins de succès malgré un court passage à la télévision ! Abonnez-vous à son site, et allez voir de quoi il parle… Vous me direz ce que vous en pensez en commentaires ! Moi, je n’ai pas été déçu ! Pas de code promo, son site est gratuit !

Venons-en au sujet du jour pour ce retour 🕯 auprès de vous, ma communauté chérie.

Le sujet, dekoikonparle :

Aujourd’hui, nous allons parler de sobriété cosmétique et ménagère ! La planète est en danger, je vous l’avais révélé en exclusivité lors de ma troisième vidéo ayant inspiré le GIEC ! (Ma plus grosse vue sur YouTube à ce jour et que j’ai rapidement démonétisée comme promis — #nostalgie).

Pour la sauver, la planète, tout le monde n’a pas la chance d’être une grosse entreprise polluante disposant d’un grand levier sur son impact environnemental : pour nous, ou pour vous, simples abonnés, de petits gestes suffisent. Malheureusement, on ne sait pas toujours bien quels sont précisément ces gestes. Dans le taoïsme, on parle de « non-agir », eh bien, dans la philosophie de Doctie Sumo, on parle de « sobriété consumériste ». C’était, si vous vous en souvenez, l’objet de l’épisode 24 de ma chaîne, mais nous allons parler ici plus spécifiquement de « sobriété cosmétique ». Eh, oui ! La meilleure astuce de grand-mère, c’est encore celle qu’on s’abstient de suivre ! Ne pas porter atteinte à la planète ne passe pas forcément par plus de « naturel », mais par plus de sobriété. Le mieux, ici, passe par le moins. Cela vaut aussi pour votre santé. La meilleure astuce que je pourrais vous donner, c’est encore de ne rien faire. Appelons ça le non-agir consumériste, ou la sobriété des soins.

Vous me connaissez, je ne livre jamais de conseils sans les étayer d’une savante expertise. Cette expertise m’a demandé 5 ans de travail acharné. C’est pourquoi je n’ai produit aucune vidéo depuis tout ce temps ! Hé, oui ! Pour vous dire, à l’époque, il n’y avait pas de petites cloches sur YouTube. Alors, j’espère que vous ne m’avez pas oublié, et que vous trouverez cette vidéo sans peine au milieu de vos innombrables abonnements ! Et puisque vous êtes là, profitez-en pour passer sur mon nouveau compte Ulule et pour me remercier de cette sobriété vidéatesque ! Abonnez-vous ! likez la vidéo… et donc… activez la petite cloche ! (J’ai l’impression d’être un débutant… Vous m’avez manqué !)

Plus que de véritables conseils, je tiens plus précisément ici avec cette nouvelle vidéo à partager avec vous le fruit de ces 5 ans d’expérience. Une expérience, vous l’avez compris, consistant à réduire au minimum ma consommation de biens cosmétiques et ménagers. Les effets sur la santé de cette expérience y seront également brièvement exposés et demanderont à être confirmés par vos propres expériences. Je compte sur vous ! En effet, je vous demanderai de suivre ces mêmes conseils pour les cinq années qui suivent ! N’hésitez pas à les partager en commentaires et à en proposer d’autres en faisant adopter à la communauté vos propres protocoles ! Mais ne soyez pas trop longs ! Les commentaires, c’est bon pour l’algorithme YouTube, mais pas tellement pour la sobriété de nos serveurs !

Sobriété donc, venons-en au fait !

Premier produit : le savon.

La société de consommation du 20ᵉ siècle nous a fait prendre l’habitude d’utiliser communément ce que l’on appelle du gel douche. Question sobriété, on est mal. Le gel douche contient principalement un produit, inoffensif mais inutile, dans une bouteille, puisque vous pouvez vous en procurer encore facilement de nos jours, j’ai nommé : l’eau ! Une bouteille de gel douche contenant entre 200 ml et 700 ml sera consommée entre une semaine et un mois pour une utilisation quotidienne ! En comparaison, un savon tout ce qu’il y a de plus classique, utilisé quotidiennement, aura une durée de vie entre 5 et 9 mois pour un savon à usage corporel ; pour un savon pour le visage, sa durée attendue, toujours pour une utilisation quotidienne, peut monter jusqu’à 15 mois !

En 5 ans d’expérience et études, je n’ai donc eu besoin de renouveler mon stock de savons par lot de 2 ou 3 que trois fois (en comparaison, un utilisateur de gel douche habituel aurait acheté et consommé l’équivalent d’une baignoire entière de gel). Sobriété garantie.

Deuxième produit : le dentifrice.

D’aucuns me diraient que les dentifrices « naturels » peuvent être une alternative crédible aux dentifrices industriels. Je vous le rappelle, le propos de cette expérience et de cette vidéo n’est pas de faire un appel à la nature, mais bien de faire la preuve de l’efficacité de la sobriété tant sur notre santé que sur l’environnement. Rappelons ainsi que les dentifrices industriels contiennent du fluor, et que celui-ci est essentiel à la bonne santé de nos dents. Nous ne saurions ainsi nous passer de dentifrice industriel. La sobriété est ailleurs.

Mes parents Sumo m’ont appris tout jeune à me laver les dents 2 fois par jour, matin et soir. C’est, je pense, la norme pour beaucoup, elle est cependant insuffisante. Après cinq ans d’études, j’en suis ainsi venu à la conclusion qu’il vaut mieux multiplier les brossages dans la journée avec peu de pâte à dentifrice. Pour faire moins, il faut faire parfois plus. Plus de brossages réguliers après chaque repas, c’est la garantie de ne pas passer par le dentiste ou par des opérations lourdes. Et cela, avec, en plus, moins de pâte à dentifrice ! Madame Sumo, elle, avant de me quitter pour un karatéka dispendieux en gel douche, avait pour habitude d’imiter les publicités pour les pâtes à dentifrice en versant de grandes coulées majestueuses de pâte sur la brosse. Il ne lui fallait ainsi pas plus de 30 secondes pour cracher la mousse dans le lavabo, et elle n’a jamais éprouvé le besoin de verser moins de pâte sur sa brosse… Les dentistes disent qu’une « noix » de pâte suffit, je dirai même qu’une larme suffit, surtout si vous multipliez vos brossages dans la journée ! Eh oui, rappelons que le dentifrice ne lave pas la bouche et qu’en dehors du fluor, il ne contient aucun élément indispensable à l’hygiène dentaire. La pâte a de légères propriétés abrasives, c’est vrai, mais l’efficacité du brossage tient essentiellement dans l’action mécanique de la brosse sur les dents et les gencives. Voilà qui devrait vous assurer une hygiène dentaire parfaite à moindre impact sur l’environnement !

Sur 5 ans, Madame Sumo a utilisé en moyenne 7 tubes de dentifrice par an avec deux brossages quotidiens. Plus de trois fois ma consommation ! Expérimentez à votre tour et dites-moi en commentaires ce que vous en concluez !

Alors n’oubliez pas, dès que vous sortez, prenez votre dentifrice ! Juste une larme ! Libérez la pâte à dentifrice de vos salles de bains, dégainez vos brosses, et sortez-les en toute occasion ! « Ce soir, je sors ma plus belle brosse pour aller danser oé-oé ! »

Troisième produit : le shampooing.

Admettons que la quantité de shampooing nécessaire à un lavage soit proportionnelle à la longueur et à l’épaisseur de nos cheveux, eh bien malgré cela, que vous soyez des quasi-chauves ou des Vénus de Botticelli, je vous encourage à essayer de réduire votre consommation. C’est possible. Et nécessaire. À la fois pour l’environnement et pour la santé de vos cheveux. Madame Sumo, avant que son karatéka lui prodigue de savants massages capillaires à l’huile de ricin et explose sa consommation de détergent parfumé, avait une consommation peu raisonnable de shampooing. Et Madame Sumo ne devait pas être une exception. Elle disposait en général de 4 détergents à cheveux différents : souvent 2 shampooings différents selon l’humeur et selon l’odeur que Madame voulait se donner ce jour-là, et 2 après-shampooings. Tout cela ne dit rien sur la quantité réellement appliquée sur les cheveux, c’est vrai. Madame ayant les cheveux épais et modérément long, elle procédait à une utilisation de 2 à 3 fois par semaine. Voilà qui est relativement modéré, me direz-vous. Mais m’étant parfois incrusté dans la douche avec elle à des fins scientifiques pour affiner mes recherches, je me suis souvent fait la réflexion que la quantité utilisée par Madame était à l’image de celle déjà employée pour la pâte à dentifrice : beaucoup trop ! Faites-en l’expérience, c’est toujours possible de diminuer sa consommation ou réduire sa fréquence de lavage !

Mais laissons Madame à son karatéka et à ses après-shampooings, et revenons à nos essais. Cheveux secs et cassants (comme on dit dans l’industrie cosmétique), tonsure de moine pas encore achevée, mes besoins sont certes minimes, et je crois encore pouvoir réduire, surtout au niveau de la fréquence (quotidienne jusqu’à encore récemment — la science capillaire est toujours en marche). En 5 ans d’étude, je n’en suis toujours qu’à mon second flacon de shampooing. Trois gouttes suffisent. J’ai eu les cheveux longs, et il ne me semble pas voir finalement beaucoup de différence quant à la quantité nécessaire. Pour en être toutefois sûr, je compte poursuivre mon étude en me les laissant pousser ces prochains mois (Monsieur Sumo finira par réellement ressembler à un Sumo !).

Quatrième produit : le lait hydratant

Pendant ces longues années de recherche, j’ai eu la chance de disposer à mes côtés d’une femme qui pouvait me servir de groupe contrôle à elle seule. Vous l’avez compris, Madame Sumo était une grande consommatrice de produits cosmétiques, et le lait hydratant est pour ainsi dire le produit avec lequel elle était la plus généreuse. À 40 ans passés, la femme moderne considère, aidée en cela par ce que nous appellerons patriarcat, qu’elle doit continuer de soigner son image, une image jeune ou rajeunie par toute une gamme de produits cosmétiques. Effet réel du lait hydratant largement badigeonné sur la peau de Madame Sumo ou privilège dû à ses gènes asiatiques, il faut avouer que mon groupe contrôle ne me permet pas ici de juger de la pertinence d’une telle surconsommation de produits par rapport à son intérêt esthétique… Au mieux, puis-je mettre en garde mes abonnés d’un risque sur la santé de ces produits : certains seraient cancérigènes, d’autres provoqueraient des irritations. Le vieillissement de certains composés chimiques serait notamment possiblement nocif, ce qui me fait dire, qu’il vaut mieux consommer des tubes de petite taille. Mieux encore : se priver de soleil, de cigarettes ou d’alcool, qui sont les premières causes du vieillissement de la peau ! Le meilleur produit cosmétique, c’est celui qu’on se retient d’appliquer sur soi !

C’est une information qui m’est parvenue malheureusement trop tard pour que je puisse la mettre à exécution durant mes cinq ans d’expérience, c’est pourquoi, pour éviter que mon lait tourne, j’ai inventé sur le tard une technique que j’ai appelée la technique du contournement, que vous pouvez apprécier dans cette vidéo :

 

Lait tournant

(Attention, la lecture sur Twitter n’a pas de son, ce serait idiot de s’en passer. Il suffit de la télécharger.)

Mon lait hydratant n’a semble-t-il jamais tourné, et les portions utilisées avec cette grande bouteille de lait ont pu se faire parcimonieusement à un endroit précis de mon anatomie : à la jonction entre le fessier et les cuisses (nous autres sumos de canapé souffrons souvent de vergetures au séant).

Cinquième produit : le liquide vaisselle

Une seule goutte suffit. Inutile d’en dire plus, si vous n’êtes pas encore convaincus, essayez, le résultat est immédiat…

En cinq ans d’expérience, j’en suis toujours à ma première bouteille de liquide vaisselle (750 ml). (Mon groupe contrôle n’est jamais intervenu dans l’exercice, aucun biais statistique n’est donc à craindre à ce niveau.)

Sixième produit : les éponges pour la vaisselle

L’expérience est sans appel : les éponges végétales sans face à récurer durent cinq fois plus longtemps que les éponges avec face abrasive. Pour récurer vos casseroles, utilisez une brosse à poils ou en inox (ou utilisez un chiffon en laine d’acier séparément).

Une éponge végétale peut ainsi avoir une durée de vie de plusieurs mois, tandis qu’une autre avec une face abrasive partira en morceaux rapidement.

C’est tout pour cette fois, j’espère vous retrouver très vite sur ma chaîne ! N’oubliez pas la petite cloche, et à bientôt sur Doctie Sumo !

Perle éternelle, Hiroshi Shimizu (1929)

Convenances et passions éteintes

Note : 3.5 sur 5.

Perle éternelle

Titre original : Fue no shiratama

Année : 1929

Réalisation : Hiroshi Shimizu

Avec : Emiko Yagumo, Minoru Takada, Michiko Oikawa

Comme Un héros de Tokyo, tourné six ans plus tard, Perle éternelle est un mélo de bonne facture, sentimental plutôt ici, et là encore assez similaire à ceux que Naruse réalisera au début du parlant (Ma femme, sois comme une rose, Les Vicissitudes de la vie) quand Shimizu aura définitivement abandonné le genre pour la comédie. Il adapte ici un roman de Kan Kikuchi, créateur du prix littéraire Akutagawa et futur directeur de la Daiei, auteur, justement, des Vicissitudes de la vie, la même année de La Marche de Tokyo, ou plus tard de La Porte de l’enfer (produit par la Daiei).

Le film repose en grande partie sur l’expressivité, tout en retenue et en regards fuyants et dignes, de son actrice principale : Emiko Yagumo. L’homme qu’elle aime s’éprend de sa sœur et la demande en mariage, et ce nigaud se rend compte trop tard qu’il l’aime aussi et que la frangine ne vaut pas grand-chose. 

Dilemme passionnel on ne peut plus classique. Le dilemme, dans le mélodrame japonais, est un admirable moteur d’action (ou plus précisément d’inaction, voire d’action avortée, impossible, interdite ou retardée), car en phase avec le principe du « mu » qu’on pourrait relier à celui du « non-agir » taoïste, et loin des mélodrames tout en débordements et en péripéties, le mélodrame japonais ira probablement plus vers ce statu quo des passions non consommées, vers une tension de l’indécision et du non-dit, ou vers des reproches rarement exprimés (conforme là encore à l’esprit japonais de n’exposer ses sentiments qu’à de rares occasions, principe du tatemae). L’aveu d’une telle passion serait déjà une forme d’action, alors on s’échine surtout à observer les conséquences de ses erreurs passées plutôt qu’à agir pour tenter d’y trouver une solution au risque de braver ses obligations sociales.

On se regarde ainsi en chien de faïence, et on constate le tour tragique des événements en acceptant de ne rien pouvoir y changer et de ne rien laisser paraître. Pour mettre en évidence ces rapports impossibles (et qui constitue tout le sous-texte envahissant du film), le récit s’applique surtout à opposer ces deux amoureux platoniques à la sœur vers qui la préférence de l’homme avait été dans un premier temps : ses manières libérales très occidentales, présentées d’abord comme une qualité, finissent par poser problème, et c’est en tentant, ensemble, de la ramener dans le droit chemin (des convenances) qu’on mesure le poids des erreurs passées pour ces deux amoureux impossibles. Il y a déjà là tout des mélodrames fins et sans heurts de Mizoguchi ou de Naruse, voire un peu aussi d’In the Mood for Love.

Shimizu semble encore s’inspirer beaucoup du cinéma expressionniste allemand en multipliant les mouvements de caméra expressifs dans les séquences de studio et de ville. Le cinéma japonais à cette époque souffre de ces séquences filmées en intérieur, et on le voit ici lors des quelques scènes tournées loin des studios, c’est tout de suite plus naturel, plus réaliste, plus dépaysant, plus frais et plus simple…

Le cinéma japonais des années 30 deviendra beaucoup plus itinérant et abandonnera presque totalement les séquences tournées non seulement en studio, mais aussi celles censées se dérouler dans des intérieurs peu réalistes, des bars à l’occidentale, bien trop citadins. De nombreux aspects encore présents au muet s’effaceront petit à petit : la place de l’automobile, des portes, de tout ce qui fait moderne ou nouveaux riches à l’écran, tout cela changera du tout au tout pendant l’âge d’or du shomingeki en s’appliquant à décrire minutieusement la vie de la classe moyenne japonaise, évitant ainsi les grands écarts mélodramatiques du muet et ses oppositions (ou ses dégringolades/ascensions) de classes.

Un spécimen rare et réussi de mélodrame sentimental avant l’émergence du cinéma parlant.


 

Perle éternelle, Hiroshi Shimizu 1929 Fue no shiratama | Shochiku


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Un héros de Tokyo, Hiroshi Shimizu (1935)

Un héros de Tokyo

Note : 3 sur 5.

Un héros de Tokyo

Titre original : Tôkyô no eiyû

Année : 1935

Réalisation : Hiroshi Shimizu

Avec : Mitsugu Fujii, Mitsuko Yoshikawa, Yûkichi Iwata, Michiko Kuwano, Kôji Mitsui, Tomio Aoki

Muet tardif et mélodrame prenant à un moment les allures d’un shomingeki (on retrouve pas mal des thèmes développés par Naruse : des mélodrames citadins sur la classe moyenne essentiellement féminine).

Comme tout bon mélodrame qui se respecte, le temps diégétique s’étale sur plusieurs années, on frise les deux décennies. Puisqu’on conte l’histoire d’une famille recomposée et vite monoparentale, on commence par des bambins semblant sortir tout droit de Gosses de Tokyo, puis intervient très vite l’acte déclencheur du drame familial : la disparition (ou la fuite, plutôt) du père (thème récurrent du mari lâche et irresponsable), qui laisse derrière lui son fils, sa nouvelle femme et ses gosses. C’est à ce moment qu’on pourrait se retrouver le plus dans un shomingeki, la mère devant se creuser la tête pour trouver comment nourrir la famille.

Les années passent, la famille se déchire sous le poids du secret et de la honte. On retombe alors dans les facilités grossières du mélo, chaque gosse finissant par devenir un stéréotype de la réussite ou de l’échec, le tout bien sûr vu à travers les yeux de la mère pleine de remords et d’amour pour cette fratrie en décomposition.

L’un finit par retrouver le père, et disons que ça se passe plutôt comme ça doit se passer dans un mélo, car si tout commence par un même événement tragique ou mystérieux, le mélo réclame souvent un dénouement qui vient répondre directement et rarement avec subtilité avec l’action tragique initiale. Les masques tombent, la vérité aussi, façon deus ex machina, et l’on se quitte dans le deuil et les larmes.

Ce n’est pas bien finaud, mais voir Shimizu s’essayer au mélo, c’est assez curieux, et je dois avouer, du moins pour ce qu’il a à faire, assez efficace. Moins d’une heure trente de films pour raconter une histoire s’étalant sur deux décennies, jolie prouesse. Shimizu expédie rapidement l’affaire, mais sa caméra semble toujours placée au bon moment, les cartons sont en nombre raisonnable et font toujours avancer l’action dans le bon sens : en fait, plus que du cinéma, on aurait presque l’impression de lire une bande dessinée tant le découpage est rapide et précis.

Une bonne mise en jambes. Le premier grand film arrivera dès l’année suivante avec son adaptation sonore et guillerette d’une nouvelle de Yasunari Kawabata, Monsieur Merci.

Le film est également l’occasion de voir l’actrice éphémère Michiko Kuwano, habituée des premiers films de Shimizu et qui sera par la suite employée dans quelques films d’Ozu ou de Mizoguchi, peut-être une des premières actrices japonaises à la beauté moderne, et qui décédera à à peine plus de trente ans des suites d’une grossesse extra-utérine pendant le tournage de La Victoire des femmes.


 

Un héros de Tokyo, Hiroshi Shimizu 1935 Tôkyô no eiyû | Shochiku Kinema


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