Ice Storm, Ang Lee (1997)

Avant Marvel

Ice Storm

Note : 4 sur 5.

Année : 1997

Réalisation : Ang Lee

Avec : Kevin Kline, Joan Allen, Sigourney Weaver, Tobey Maguire, Christina Ricci, Elijah Wood

Ice Strom, de Ang Lee… avec Spiderman, Frodon, lieutenant Ellen Ripley, Otto, Mercredi Adams, Joey Potter… Ce n’est pas les quatre fantastiques, mais ça y ressemble.

Je préfère de loin ce Ang Lee là, celui qui fera plus tard Le Secret de Brockeback Montain, que celui de Hulk ou de Tigre et Dragon

Comme souvent dans les bons films, il y a un savant mélange des genres. Un petit côté doux amer… On rit beaucoup (en repérant dans ces familles de banlieue des comportements qu’on connaît chez nous…) et bien sûr, on est ému — pas aux larmes parce que ce n’est pas un film tire-larmes.

C’est le genre de films intimistes dont a la réputation de faire le cinéma français. Une mauvaise réputation, parce que le cinéma français, c’est souvent un cinéma parisien basé sur l’individu seul, sur la misère (humaine le plus souvent, sociale aussi). Les vrais bons films intimistes, ils se font encore aux USA (là aussi) ou ailleurs, finalement. Que ce soit pour les films à la psychologie lourde comme Des gens comme les autres, de Redford, le premier film de Clint Eastwood, Un frisson dans la nuit, et plus certainement pour les films « intimistes » à valeur ajoutée avec des sujets moins creux, moins masturbatoires, en recherche de moins de naturalisme. La famille comme thème au lieu de l’individu (ah, du Rastignac, on en bouffe dans la culture française et pourtant il n’y a rien de plus antipathique…), la banlieue (celle d’American Beauty, de Desperate Housewives) au lieu des ghettos (riches, le plus souvent, si, si). Il n’y a rien à dire, même dans ce type de film les Ricains sont plus forts que nous pour raconter des histoires… Quelle misère. (Je ne suis pas un fan de Truffaut, mais lui, il savait faire ça ; heureusement qu’il y a parfois quelques films qui sortent du lot — avec tout ce qu’on produit, c’est sûr que ce serait étonnant qu’il n’y ait jamais rien de bon, mais bon, nos films moyens sont des daubes).

C’est tout de même étonnant que pour revoir ce que j’ai vécu en gros dans ma banlieue, qu’il faille trouver ça dans un film ricain et non français… La banlieue (la vraie, pas celle des cités qui ne représente finalement pas grand-chose dans les banlieues françaises), on n’en parle pas en France. C’est soit Paris, soit les autres villes, soit la campagne perdue, jamais la banlieue (si, il y en a eu deux : Série noire et Buffet froid, deux des meilleurs films français).


Ice Storm, Ang Lee (1997) | Fox Searchlight Pictures, Good Machine, Canal+ Droits Audiovisuels


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Barfly, Barbet Schroeder (1987)

VF partage appartement

Barfly

Note : 3.5 sur 5.

Année : 1987

Réalisation : Barbet Schroeder

Avec : Mickey Rourke, Faye Dunaway

Avec Mickey Rourke, Faye Donaway et… Frank Stallone !

D’habitude, je ne suis pas un fan de ce genre de film à Oscar où les acteurs jouent des rôles bourrés à problèmes, bien glauques, mais là il faut dire qu’on échappe miraculeusement au ton sur ton. L’humour, l’ironie rehausse le tout. Encore et toujours, le nihiliste… Forcément, avec des alcooliques…

L’intrigue évolue doucement. Tout reste simple et d’une grande amplitude. Ça ne cherche pas à faire un chef-d’œuvre. Quelques moments d’anthologie, des scènes barrées, comme celle où le personnage de Faye feint la mort, celui de Rourke appelle une ambulance pour la énième fois en trois jours, les ambulanciers entrent, et en voyant Rourke en caleçon l’un d’eux lui sort : « Vous ne changez jamais de caleçon ?! » Le mélange des genres, ça surprend. L’autre ambulancier va voir la mourante et revient désabusé en disant qu’elle va bien mais qu’elle est raide bourrée, et grosse… Ils se cassent, Faye bondit de son lit avec une pêche d’enfer et regarde Rourke avec des yeux outrés : « Le salaud, il a dit que j’étais grosse ! » Ça claudique comme la marche d’un ivrogne, pas loin du vaudeville, et pourtant, c’est un film au ton plutôt désabusé.

Les performances d’acteurs, elles sont ce qu’elles sont… Toujours compliqué d’être bons et crédibles quand on est censé jouer des personnages sans cesse bourrés ; difficile de jouer sans une continuité théâtrale les différents stades du type bourré… Le plus souvent, au cinéma, ce n’est pas compliqué à jouer, parce que ce sont des personnages secondaires, montrés de manière furtive et stéréotypée. Mais quand on « passe la journée » avec Mickey Rourke et que le style du film se veut naturaliste, c’est inévitable, il y a des enchaînements un peu douteux. Un vrai calvaire pour un acteur de cinéma et pour la script-girl… j’ai l’impression que Mickey Rourke et Franck Stallone se donnant parfois de vrais coups dans leurs batailles derrière le bar qu’ils avaient des blessures réelles au visage et aux mains et du coup, du fait de la non-continuité de la réalisation de scènes, on pouvait se retrouver avec des blessures qui disparaissaient puis réapparaissaient d’une scène à l’autre… Ah, les acteurs, ils veulent tout faire pour de vrais, mais, ils feraient mieux de penser aux résultats… Et le réalisateur français qui laisse passer…, pas bon sur ce coup-là Barbet…

Heureux d’une part de voir Frank Stallone dans un film (parce que j’adore sa musique — il a vraiment la gueule de son frère et apparemment le même goût pour la boxe…) et aussi heureux de voir que la Zoetrope de Coppola a tout de même réussi à faire quelques films… Le pauvre Francis, ce n’est pas avec ce film qu’il a dû ramasser encore beaucoup d’oseille…

Mickey Rourke, c’est toujours mieux que Nicolas Cage dans Livide Las Vegas


Barfly, Barbet Schroeder (1987) | Golan-Globus Productions, Zoetrope Studios


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À la recherche de Mr. Goodbar, Richard Brooks (1977)

À la recherche d’un titre

À la recherche de Mr. Goodbar

Note : 3.5 sur 5.

Titre original :  Looking for Mr. Goodbar

Année : 1977

Réalisation : Richard Brooks

Avec : Diane Keaton, Tuesday Weld, Richard Gere

(En mode bball)

Très bon début, rythmé, du run’n mum. Pas mal de cuts dans le montage, des séquences très courtes. Pas d’action spectaculaire, mais des tactiques rapides bien mises en place.

À la fin du premier quart-temps, ça a commencé à me mettre mal à l’aise. Ça se passe dans les années 70, les années baise, la libération des soutiens-gorge. Et moi ça, ça me saoule. Diane Keaton passait d’un joueur à un autre : « un homme c’est déjà trop et un million, c’est pas assez ». Un peu perso la Diane, elle ne pense qu’à elle, au cul. Les cross avec Richard Gere sont excellents (il aurait mérité plus de temps de jeu, ou au moins d’avoir la possibilité dans sa carrière de jouer pour des équipes qui jouent pour le titre, et à part « Chicago », c’est pas à la hauteur de son talent, et de son charme…).

Vers la fin du second quart-temps, Diane Keaton se pose dans un bar. Elle lit, ou fait mine (elle attend qu’on vienne la draguer). Gere vient donc tourner autour et regarde le bouquin : Le Parrain. Et là, qu’est-ce que lui dit Gere (ESPN insider) : « Oh, j’ai vu le film. C’est vraiment très bon. Al Pacino est vraiment excellent » Ah ah.

(Pour les oublieux, je rappelle que Diane Keaton jouait l’année précédente avec Al Pacino, et qu’elle a justement gagné le titre, deux fois, avec lui pour ce film).

C’était sympa… jusqu’à la fin. Diane mène pendant tout le match et elle trouve le moyen de se faire manger sur le fil. La mort la rattrape, d’une manière assez surprenante. À force de baiser avec n’importe qui, de ramener n’importe quel voyou ramassé dans un bar, elle tombe sur un malade mentale, qui la charcute en même temps qu’il la baise, en lui sortant « allez t’en veux encore salope, hein tu en veux prends ça… » Même pas de prolongations, le match est fini comme ça, sur un buzzer beater…

Ce qui me dérange, ce n’est pas que la mort ait gagné. C’est ce que ça révèle de l’histoire, de la volonté de la gonzesse qui a écrit le bouquin. En gros avec une morale comme ça, d’une part, on a une vision passablement homophobe du personnage assassin que joue Tom Berenger (parce que c’est un homo refoulé et que forcément un homo ça doit être mal dans sa peau, et surtout, s’il est homo c’est qu’il a des problèmes psy et donc qu’il est capable de faire des trucs aussi chelous que ça…), mais en plus, alors que tout le film semble aller dans le sens de la société de la baise qui n’est jamais remis en cause pendant tout le film, parce qu’on a toujours le point de vue de Diane Keaton, et non celui de sa famille catholique…, là, le film prend un contre-pied total (bonjour les chevilles ! ankle breaker sur twist over) parce qu’en gros, avec une fin comme ça, on veut dire : « Tu l’as bien cherché, t’es qu’une pute, il fallait pas jouer avec le feu, la société de la baise, c’est mal, revenons à notre bonne vieille morale de papa… »

Sans doute écrit par une écrivaine coincée de la chatte qui se rêve des aventures au milieu des années 70 quand tout le monde le fait, et que, elle, est coincée avec son petit mari. Sur le banc. Elle s’amuse un peu, et à la fin, elle vous dit que c’était que pour rire, que finalement, on est toujours mieux chez soi, dans les bras du seul amant qu’une femme puisse avoir : son mari. Un scrimmage pour finir par du garbage time. Les sports collectifs, c’est mal.


Looking for Mr. Goodbar, Richard Brooks (1977) | Paramount Pictures


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Un homme d’exception, Ron Howard (2001)

Pas si ronron que ça

A Beautiful MindUn homme d'exception, Ron Howard (2001) Année : 2001

Réalisation :

Ron Howard

7/10  IMDb

Je n’ai jamais été un grand fan de Richie Cunningham derrière la caméra, mais là il faut avouer que son film à oscar est plutôt passionnant. (Même s’il a justement un peu trop le côté « film à oscar », si on accepte de ne plus voir le côté affreusement formaté du film…)

En premier lieu, parce que je ne savais pas du tout sur quoi j’allais tomber, (je parle de l’histoire, pas des effets de mise en scène, toujours pareil chez Ronron) et donc, comme le film change comme brusquement de sujet, j’ai été totalement pris. Je me suis fait avoir.

Le début du film, Russell Crow m’exaspérait un jouant son personnage timide, renfermé, toujours à rouler les yeux toutes les cinq secondes pour voir si on avait bien compris qu’il était un peu bêta dans les rapports humains…, et puis paradoxalement quand il fait vieillir son personnage et qu’il devient plus dérangé, l’acteur lui se montre plus dépouillé, moins démonstratif, et l’histoire gagne en clarté, en impact. Surtout à la fin. Du bon vieux dénouement à la fois larmoyant et positif comme en raffolent les critiques quand il faut tirer sur Hollywood (moi non plus je ne me gêne pas). Pour moi, c’est passé… Quelque chose de prémâché quand on a du mal à digérer, ce n’est pas si mal de temps en temps.

Et puis, rien que pour Jennifer Connely…


Mystic River, Clint Eastwood (2003)

Dirty River

Mystic River

Note : 4.5 sur 5.

Année : 2003

Réalisation : Clint Eastwood

Avec : Sean Penn, Tim Robbins, Laura Linney, Kevin Bacon, Laurence Fishburne

— TOP FILMS

Pas compliqué pour Clint : il prend le polar à succès du moment (il doit y avoir une richesse en littérature américaine en ce moment pour qu’ils nous pondent des trucs comme ça à chaque coin de rue !), les meilleurs acteurs (eux-mêmes cinéastes, pour parler le midi à la cantine), et il en fait un film.

Comme toujours, aucun déchet dans la mise en scène. C’est précis, juste. Son premier film (Un frisson dans la nuit) visait déjà dans le mille. Dans le ton, justement, il y a quelque chose qui ressemble à cette première cartouche : très feutré, avec la mort qui rôde.

Le principal atout du film (à part les acteurs : Kevin Bacon, Tim Robbins, Penn…) c’est vraiment l’histoire (et là encore comme toujours avec Clint : il s’efface au profit d’une histoire forte). Et il y a un procédé qui a attiré mon attention… Un procédé dramatique « d’énigme », que je crois n’avoir jamais vu : c’est qu’on a affaire à une énigme, mais on ne le sait pas avant la fin du film (enfin, si l’on ne joue pas les cons et si l’on se laisse prendre par le jeu… ─ ça énerve les gens qui disent « moi j’avais tout de suite compris… »).

En gros, un meurtre survient, et tout de suite, le récit adopte le point de vue d’un type, retranscrit de telle manière que l’on va croire qu’il est le coupable… Enfin croire : pour le spectateur, le doute n’est pas permis. Et pourtant… Parce que le type ne sera pas le cru Forcément : c’est le meurtrier. Par la suite, quand il y a l’enquête et que les flics se trouvent face à deux pistes, deux suspects, on croit savoir qui est qui, et l’on regarde ça comme dans bien d’autres récits où le spectateur sait déjà qui est le coupable : parce que ce n’est pas présenté comme un récit à énigme, mais un récit à suspense : on sait (ou l’on croit savoir), le tout est de voir comment il va se faire prendre. On n’a donc aucun doute pendant tout le film, et à la fin, à l’heure du dénouement, on se fait avoir, de la meilleure des manières.

Mystic River, Clint Eastwood (2003) | Warner Bros, Village Roadshow Pictures, NPV Entertainment, Malpaso Productions

Reste l’épilogue, qui amène une autre dimension au film. On touche à l’absurde, à la futilité, au néant. Une sorte de dernière surprise pour en remettre une nouvelle couche dans le genre : « Hé hé, je vous ai bien eus ». Il y a un côté symbolique : le récit semble se mordre la queue et même si ça donne une morale un peu douteuse au film, le procédé de mise en miroir, de monde fermé comme on veut, ça donne quelque chose de jouissif. Pour résumer le schéma : trois gamins font des bêtises en bas de chez eux, une bagnole arrive, un type se présente comme un flic et les réprimandes. Il demande aux deux premiers où ils habitent : ils habitent juste là. Le troisième répond qu’il habite un peu plus loin : soit, le flic lui dit qu’il va le raccompagner pour qu’il en parle à sa mère… Pas de bol, c’était un pédophile. Le môme reste enfermé pendant quatre jours avant de s’évader. C’est le point de départ… l’hamartia (la faute originelle qui va conditionner tout le reste).

Plusieurs décennies plus tard, des deux qui ne sont pas passés par la cave du pédophile, un est flic (et c’est lui qui va mener l’enquête), l’autre est un ancien truand rangé des voitures pour voir grandir sa fille. Le troisième, est un foireux sur qui repose le mystère du récit : ce n’est ni un méchant ni un gentil, mais c’est un loser un peu dérangé (voire carrément).

Ils se sont perdus de vue depuis cette époque, mais leur histoire se recroise quand la fille de l’ancien truand se fait tuer dans sa voiture en pleine nuit. Pleurs du papa, le flic qui vient enquêter… Et, à ce moment-là, il ne fait pas de doute, pour nous, spectateurs, que c’est le loser. La nuit du meurtre nous est montrée, non pas la scène du meurtre (qu’on ne verra jamais), mais un planting nous exposant ce loser rentrant chez lui en sang, disant à sa femme qu’il s’est fait agresser et qu’il a probablement tué son agresseur. On comprend donc en même temps que sa femme que c’est lui le coupable. Le récit n’offre pas d’autres alternatives (puisqu’à ce moment-là les enjeux du film, le sujet, c’est plus « comment il va se faire finalement épingler » qu’un « la vengeance est aveugle et pourtant elle peut vous planter une balle entre les deux yeux »).

L’enquête donc… Et comme toujours dans ces cas-là, pour alimenter le récit, on construit des fausses pistes, même si l’idée n’est pas de duper le spectateur, mais encore une fois puisqu’il ne se doute de rien (sauf s’il fait le malin en se disant : « oh ouais, mais pourquoi il n’y a qu’une seule fausse piste ? ») pour lui c’est du remplissage : tout développement nécessite une suite de péripéties pour arriver finalement au but voulu, défini au départ dans les enjeux (l’éternel : « trouver le coupable », le plus intéressant étant moins l’énigme annoncée que le déroulement de l’enquête ─ même principe qu’utilise Hitchcock, donc, avec le suspense : il annonce ce qui va se passer et il nous file la frousse avec ça). Et la fausse piste en question nous mène à des mômes (qui irait soupçonner des mômes ?).

Le récit enfonce bien le pseudo-meurtrier, et là on croit le voir mentir quand il s’effondre devant sa femme et qu’il lui dit la « vérité » : lui, abusé par un pédophile dans son enfance n’a pas tué la fille de son ancien camarade de jeu (alors que, maintenant, tout dans l’enquête des flics et dans son comportement l’accable), mais que cette même nuit, il avait fait la chasse au pédophile et en avait tué un ! Ce qui même si ça recoupe avec ce qu’il avait dit à sa femme en rentrant cette nuit-là paraît tellement gros qu’on ne peut y croire. Sa femme, désormais certaine qu’il est le coupable, va le dénoncer… au père de la fille assassinée…

Arrive alors un dénouement croisé (du genre du Parrain) avec d’un côté le père qui reprend son habit de truand pour faire la scène où il demande au meurtrier de sa fille d’avouer sinon « kill le tue », le gros méchant… Et de l’autre côté le véritable dénouement pour nous : à savoir que les véritables meurtriers étaient en fait deux gamins (je n’entre pas dans les détails, c’est anecdotique, comme toutes les histoires de gamins). Bien sûr, les scènes en parallèle s’achèvent avec l’exécution du faux meurtrier par le père de la gamine qui veut se faire justice tout seul comme un bon vieux connard de la meilleure espèce, et au cas où des neuneus n’auraient toujours pas compris, on nous met bien dans la figure en insert des plans de la scène où le loser tabasse le pédophile, alors qu’il essaye de dire la vérité au truand, mais que ce n’est pas la vérité qu’il veut entendre…

À ce stade, la morale de l’histoire, c’est : il ne faut jurer de rien, ne pas se fier aux apparences, laisser la justice faire son travail, etc. La morale dramatique si on peut dire, celle délivrée par le flic (le héros typique de la mythologie américaine), se présente ainsi : « Ce jour-là, quand on était gosses, il n’y a pas eu que lui qui a été enfermé dans cette cave, on y était tous les trois un peu à notre manière… ». On nous prouve qu’on (spectateurs) ne vaut pas mieux que ce type puisque nous aussi sommes tombés dans le piège tendu par le récit. Ce type se serait fait lyncher en public (comme dans Furie ou L’Étrange Incident).

Sauf qu’arrive l’épilogue qui tue. On comprend que le truand et sa bonne petite famille, sa petite femme bien élevée, tout ça c’est la famille d’un pédophile…, un type qui viole avec le consentement (l’amour même on pourrait dire, voir l’encouragement) de sa femme, ses autres filles. On comprend alors deux choses : la gamine voulait fuir l’amour un peu trop « démonstratif » de son père, et en quelque sorte, la boucle est bouclée. Quand le flic disait qu’ils avaient été eux aussi dans cette cave, l’un tuait donc les pédophiles, un autre les recherche (même s’il y a une autre piste évoquée, mais pas développée dans la vie du flic qui restera un mystère) et le dernier… en est un.

La seule chose douteuse, c’est que celui qui est devenu le plus méchant, c’est celui qui à l’origine était déjà le plus violent… L’idée très ricaine que la violence est dans les gènes.

Chef-d’œuvre, donc. Une tragédie moderne, noire, nihiliste : le méchant garde son secret (pas de happy end pour ses deux filles cadettes) et le flic qui sait qu’il a tué le loser ne peut l’arrêter (faute de preuve, lui… : la Justice elle passe pour les « innocents », elle ne passe pas pour les criminels…).

Et j’en reviens à mon procédé d’énigme qui ne veut pas dire son nom : on a un récit à suspense, avec le principe du « le lecteur sait tout, ce qui importe, c’est la tension qui naît dans le déroulement de l’histoire, de l’enquête » et en plus on a droit aux effets d’une surprise finale qu’apporte souvent une énigme. Deux effets pour le prix d’un : celui sur le long terme et celui plus immédiat. Miam miam, il y en a pour tous les goûts.



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Raisons d’État, Robert de Niro (2006)

Raisons d’État

The Good Shepherdraison-detat-rober-de-niro-2006 Année : 2006

Réalisation :

Robert de Niro

6/10  IMDb

Encore un acteur réalisateur. De Niro. Bien plus abouti que son précédent. C’est l’assurance en tout cas d’avoir des grands acteurs et surtout qu’ils sont bien dirigés. Même si au départ, on voit ni Damon ni Jolie dans les rôles… Dommage que le film toutefois soit toujours sur la même note, la même atmosphère. Ça finit par être un peu rasoir. Heureusement qu’il y a cette relation avec cette femme sourde qui colore un peu le film…

La mise en scène est parfaite, mais il aurait fallu qu’il prenne un peu plus de risque, se mette plus en danger, parce que là, c’est tout le temps la même chose, on n’est jamais surpris. C’est sage disons, digne d’un bon élève de classe de cinéma. Mais ça manque de fantaisie et de folie. Là aussi pas de ton caché. Le sujet du film, c’est le mystère, l’ombre, mais justement rien n’est mystérieux, les enjeux sont un peu flous.


Dogville, Lars von Trier (2003)

Le Cercle de craie citadin

DogvilleDogville Année : 2003

Réalisation :

Lars von Trier

9/10  IMDb

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Huis clos – behind locked doors (or almost)

Regardé en traînant les pieds (trois heures de film, Lars von Tear…). Pas convaincu par ce principe de théâtre filmé. Et puis, après, quand l’histoire se met en place, on a plus le choix, et c’est très intense ! Une véritable tragédie grecque ce truc, qui fait pas mal réfléchir et qui là encore laisse peu de place au doute : l’humanité, c’est que de la merde, pas d’espoir permis. Brr…

Curieux, en y repensant, le film me fait penser à l’Énigme du lac noir. Il y a un rapport ou bien ?


Shortbus, John Cameron Mitchell (2006)

Du cul, du cul et encore du cul.

Shortbusshortbus-john-cameron-mitchell-2006Année : 2006

 

Réalisation :

John Cameron Mitchell

5/10  lien imdb
 

Vu le : 21 octobre 2007

C’est parfois intéressant, mais il y a trop de personnages (non non, ce n’est pas une manière de dire qu’il y a des partouzes). J’aurais préféré que le récit se concentre sur un seul personnage et non un film à la sauce Shortcut (d’où le titre du film d’ailleurs…). C’est une méthode bien connue de distanciation, faire intello, mais il y a plus de chance qu’on s’attache à des personnages et pas à d’autres.

J’ai apprécié le personnage de la sexologue qui n’a jamais joui, ou de la pute au grand cœur (comme quoi il y a la règle et la vérité d’un film…). En revanche, toutes les histoires de gays, ce n’est pas vraiment ma tasse de thé — et pour le coup, il faut être capable d’encaisser les scènes de cul comme des scènes d’horreur.


La Dernière Séance, Peter Bogdanovich (1971)

La Dernière Séance

The Last Picture Show

La dernière séance, Peter Bogdanovich (1971)Année : 1971

Réalisation :

Peter Bogdanovich

7/10 IMDb  iCM

Liste :

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Les Indispensables de 1971

Vers le Nouvel Hollywood

Avec :

Timothy Bottoms
Jeff Bridges
Cybill Shepherd
Ellen Burstyn

Je crois que c’est le premier film que je vois de Bogdanovich (également acteur droopien — il joue le psy de la psy de Tony Soprano).

C’est vraiment pas mal du tout. Histoire cent fois racontée sur la vie des jeunes adultes dans des coins perdus des USA, et encore une fois, c’est différent (c’est comme ça qu’on crée des mythes : avec une histoire qu’on peut prendre par tous les bouts, qu’on peut retourner dans tous les sens, et avec à chaque une nouvelle découverte).

American way of — no — life

Pour le plaisir aussi de voir des acteurs qui confirmeront par la suite : Jeff Bridges (mille fois plus beau aujourd’hui), Cybill Shepherd (connue surtout pour avoir joué le rôle de la petite amie de Robert dans Taxie Driver) et l’acteur “irréel” de Johnny s’en va-t-en guerre.

De mémoire, on peut lire certaines anecdotes croustillantes dans Le Nouvel Hollywood de Peter Biskind, concernant Bogdanovich (et sa femme Polly Platt notamment, présentée un peu comme l’antithèse de son mari, à la fois sans talent et coureur de jupons).


Scandaleusement célèbre, Douglas McGrath (2006)

Infamant

Infamous
InfamousAnnée : 2006

6/10 IMDb iCM

Réalisation :

Douglas McGrath

Avec :

Toby Jones
Daniel Craig
Sandra Bullock

Infamous est traduit comme ils peuvent par Scandaleusement célèbre… C’est bon les gars, vous pouvez laisser le titre original avec son jeu de mot au lieu de nous faire un titre tout juste bon pour une comédie lourdingue ?…

C’est le récit de l’époque de la vie de Truman Capote quand il a écrit son œuvre la plus connue. J’avoue que j’y connais rien en capote (pas rire !), mais là ça fait franchement pas envie. C’est une sorte de Proust revu par Austin Power : mondain, homo (version cage au folle), cherchant une nouvelle forme d’écriture (entre roman et reportage puisque Capote s’intéresse à un fait divers et vient en prison rencontrer les coupables de meurtres multiples pour alimenter son « roman »).

Franchement insupportable pendant toute la première moitié, mais dès qu’on entre dans le réel sujet du film, la passion de Capote pour l’un des deux meurtriers, leur relation tendue (voire bandante) et ambiguë, ça devient plus intéressant. Parce que le sujet n’est plus la folle Capote, mais bien un sujet qui tient la route, le même sans doute que celui du roman : il faut se garder de juger les gens avec passion. Sujet qui rappelle les meilleurs films de Lang (lui n’avait pas besoin de Capote) sur l’injustice, les lynchages, les apparences, etc. En fait, Capote intitule son roman De sang froid et ce n’est pas relier au meurtre de sang froid pour lequel les deux assassins se sont rendus coupables, mais au contraire, le meurtre « de sang froid » dont ils seraient les victimes si on les mettait au milieu de la foule avide de « justice ».

La forme est plutôt discutable, mais le film mérite finalement qu’on s’y arrête. Sinon on peut lire le livre (et moi, je ne lis pas Capote).