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Operation Abolition, Fulton Lewis III (1960)

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Operation Abolition

Note : 0.5 sur 5.

Année : 1960

Réalisation : Fulton Lewis III

Écrit par J. Edgar Hoover

Il y a quelque chose de reposant à regarder certaines horreurs. Surtout quand elles ont un demi-siècle d’âge. On se dit « quelle époque formidable ! fallait pas être con ! ». Et pourtant, ce n’est pas mieux aujourd’hui (cf. la pitoyable guerre Dieudonné-Valls). Mais ça fait du bien de se moquer et de se laisser prendre aux jeux des évidences.

operation-abolition-1960

Si on cherche donc des clichés, des champions de la mauvaise foi, du discours de propagande invectivant la supposée propagande d’un ennemi imaginaire, si on veut voir toute la splendeur de la paranoïa en action, ces 45 minutes sont un régal.

Le film use des plus grosses ficelles, sans honte, et c’est ça qui est amusant (et pitoyable). Pour convaincre, il suffit d’être assis derrière un bureau, d’avoir le drapeau américain dans un coin et le Capitole dans le dos. La rhétorique fait tout dans la finesse : « la conspiration communiste », « les agitateurs », « agent communiste (pour membre du parti communiste) », « agent communiste international (!) », « communisme en action », « agitateurs spécialement entraînés », « la presse pro-communiste / la presse de propagande communiste », « quatre étudiants ont souffert de blessures légères tandis que huit policiers ont dû être hospitalisés (avec la jolie contradiction des images montrant les agitateurs traînés par la peau des fesses, poussés dans les escaliers, hors de l’hôtel de ville) ». Bel usage pendant ces arrestations d’une musique digne d’un film d’épouvante de la Hammer.

On voit d’où vient Fox News. Vive l’Amérique.

Le film :

Le Gros Lot, Preston Sturges (1940)

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Quand Le Million rencontre Le Dîner de cons, ça donne Bienvenue chez les Ch’tis

Le Gros Lot

le gros lot

Note : 2 sur 5.

Titre original : Christmas in July

Année : 1940

Réalisation : Preston Sturges

Avec : Dick Powell ⋅ Ellen Drew

J’étais jusque-là partagé sur Preston Sturges. J’avais trouvé The Lady Eve brillant, mais les Voyages de Sullivan particulièrement navrant.

Malheureusement, cet opus tient plus du second. Le même ton, la même vulgarité. Je me suis rarement senti aussi mal devant un film. Il avait déjà eu une des idées les plus pitoyables qui soient avec les Voyages, digne d’un Bienvenue chez les Chti (un cinéaste de bonne famille décide de se faire passer pour pauvre pour voir l’autre côté et apprendre de la vie…), il continue ici de la même manière. On est entre le Dîner de cons et le Million. Un brave garçon rêve de gagner un concours de slogan publicitaire dont le premier prix est une grosse somme d’argent (idée sans doute piochée par Sturges, en bon francophile qu’il est, dans Un oiseau rare). Des collègues lui font alors une « bonne blague » : lui faire croire qu’il a gagné. Commence alors un long quiproquo autour duquel vont s’enchaîner des situations toutes plus dégoulinantes de mièvrerie les unes que les autres. Il faut voir le retour du fils prodigue dans son quartier populaire, remettre des cadeaux à tous ses voisins, et en particulier à une gamine clouée sur une chaise roulante… La même complaisance à l’égard des classes populaires que dans le Voyage. Il lorgne clairement du côté des comédies de Capra, mais n’en a pas la même subtilité. Tout est grossier chez Sturges, facile… La tirade de son épouvantable fiancée glorifiant les valeurs de l’individualisme et de l’ambition est à vomir. Ça dégouline de bons sentiments et ça mène nulle part. Parce qu’évidemment, Sturges s’en sort avec l’évidente pirouette finale qu’on ne sent pas venir des kilomètres à la ronde… Avant ça, les deux s’étaient envoyé des « tu es merveilleux », « non, c’est toi qui es merveilleuse » d’une grande finesse comme d’habitude.

Consternant.

À noter une scène d’introduction d’une longueur assommante. Le film est court, tout juste un peu plus d’une heure. Et Sturges nous présente ses deux tourtereaux assis sur les toits à écouter les résultats du concours donné à la radio… Un quart d’heure sur l’ambition à l’américaine, dans le genre « Je crois en toi, tu vas réussir, parce que tu le mérites et parce que c’est toi »…

Pas convaincu non plus par l’utilisation de Dick Powell dans ce modèle de vertu qu’est ce Jimmy MacDonald. Jimmy Stewart y était habitué à ces personnages bien propres sur eux… Tout ramène à Capra. J’étais plus habitué à le voir en jeune premier dans les comédies musicales de la première heure. Il ne vaut pas plus. Aucun charisme, la bonne bouille de premier de la classe. Je lui aurais bien envoyé une torgnole… Après avoir pitié de lui pendant une bonne demi-heure, j’ai fini par ne plus supporter non plus la triste aventure de son personnage, mais ses allures de fils à papa, pour qui tout est formidable, qui, quoi qu’il arrive, voit toujours le bon côté des choses et des gens. Le nigaud.

Le Gros Lot, Preston Sturges 1940 Christmas in July | Paramount Pictures

Sur La Saveur des goûts amers :

Les Indispensables du cinéma 1940

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Prometheus, Ridley Scott (2012)

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You shout a film but in space no one can bear your screen, Ridley.

Prometheus

Note : 2.5 sur 5.

Année : 2012

Réalisation : Ridley Scott

Avec : Noomi Rapace, Logan Marshall-Green, Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba

Donc depuis la fin des années 80, Ridley Scott est perdu dans l’espace, c’est bien ça ?…

Je résume. Qu’est-ce qui faisait le génie d’Alien et de Blade Runner ? Le rythme lent, l’atmosphère oppressante, le design soigné, réaliste… Tout ça s’est perdu dans l’oubli comme des larmes dans la pluie. Alors soit, il tente de renouer le contact avec ses succès passés, mais l’intention, louable au départ (oui je rêvais de le voir renouer avec le genre SF…) se révèle être un massacre, un peu comme si Ulysse de retour à Ithaque trouvait Pénélope dans les “bras” d’Argos.

C’est bien un monstre que nous a pondu Ridley. Un film plein de références à la franchise, croyant sans doute faire plaisir aux fans, mais justement, chaque film doit être capable d’exister par lui seul. Le journal de bord de Shaw ? Une référence trop évidente au troisième volet. Le type infecté lors de sa sortie et le capitaine refusant de le laisser entrer dans le vaisseau ? On l’a déjà vu dans le premier. Le réveil ? Déjà fait. Les robots et leur infaillible soumission à la compagnie ? Idem. Une équipe constituée ne sachant pas ce qu’ils viennent foutre dans cette galère ? Pareil. Le gentil navigateur noir qui va bravement mourir n’hésitant pas à se sacrifier pour son maître, ou sa maîtresse ? (Assez douteux et) déjà fait. L’atterrissage sur une planète inconnue et l’exploration d’une cabane abandonnée qui fait bien flipper Rapace ? Déjà fait. (On perd « sa race » au profit de « rapace », il faut mettre ça au crédit de l’évolution des espèces.) La trace gluante sur un mur que même les scénaristes de Scoubidou n’oseraient plus utiliser ? Déjà vu. Un héros féminin pour jouer sur l’effet de surprise, le contraste, le sex-appeal ? Là encore, référence trop évidente, trop usée, trop lourde, trop facile…

Le problème n’est pas que tout ça ait déjà été abordé dans la franchise, c’est surtout que ça l’a été, toujours, de manière plus convaincante. Il faudrait être sacrément bien luné pour voir une cohérence dans cette soupe de grumeaux. Le problème n’est pas non plus de se répéter, si c’est bien fait. Or, ça ne l’est pas. Et Scott n’arrive même pas à s’imiter lui-même.

Une seule scène sauve le film, mais c’est probablement involontaire : celle de l’opération chirurgicale. L’exécution pour le coup, avec son côté parodique, est bien menée. On voit la même séquence dans Alien3, c’est donc encore du recyclage, mais ça va beaucoup plus loin… dans le ridicule. On ne voit pas du tout venir la manœuvre. « Tiens, une machine pour opérer les gonzesses… » Nous : « Ah, qu’est-ce que ça vient foutre là ? Hum, je vois la suite… » La suite : « Ouille, j’ai un truc qui pique dans le derche, il faudrait que je me le fasse enlever ! Youpi, il y a le machin truc pour m’opérer ? » Tout à coup on était plongés dans Starship Troopers. Je n’ai aucun doute que Scott ait mis tout son sérieux dans cette séquence, mais c’est justement ce qui est drôle. Et même sans ça, cette séquence, c’est l’aboutissement de tout un mythe à travers un simple pied de nez. « Depuis tout ce temps où on vous a fait suer avec cette créature, on avait la solution !!! » Voir la Rapace dans cette séquence a quelque chose d’étrange. Je parlais de sex-appeal plus haut, or sa capacité à exciter un homme est proche de zéro. Ce n’est pas une femme, c’est un hobbit. Là encore, on suit l’air du temps, et j’imagine bien dans la suite du préquel la voir se faire poser par la même machine un anneau gastrique (et quoi de mieux pour un préquel qu’un « You will not past » comme slogan). Sigourney Weaver était déjà curieusement charpentée, mais ça collait à son rôle de lieutenante burnée. Là, la logique, ou le fantasme de la voir à poil, ruisselante de sueur, s’agitant frénétiquement, c’est quoi ? Mystère, c’est du grand n’importe quoi, et c’est pour ça que c’est drôle. Une idée, en général, elle doit s’intriquer (j’ai dit trique ?) dans un ensemble. Seulement ici, la cohérence de l’histoire est suspecte. Toute idée est donc bonne à saisir et on brode dessus. Sorte de patchwork d’idées forcément informe et ridicule. La machine opère même au scénario. Et quand ça ne veut pas accoucher d’une histoire cohérente, pas grave, elle a les moyens de forcer la porte. Prométhée la Lune, je vous donnerais les étoiles…

Parce qu’il est bien là le problème de Prometheus. L’absence d’un scénario qui tienne la route. Manque criant d’unité et de cohérence, de rythme, de tension. Et feu Ridley Scott à ne savoir sur quel pied danser : est-ce un thriller, un film d’action ? Est-ce Le Huitième Passager ? Aliens ? Il faut choisir. Parce qu’en l’état, c’est une Histoire Génétiquement Modifiée.

Je n’ai rien contre le principe du préquel. Mais on doit en dire juste assez pour captiver l’attention du spectateur, jouer avec ce qu’il connaît déjà, sur les origines, et ensuite faire un tout autre film qui se suffise à lui-même. Évidemment, Scott tombe dans le piège et préfère proposer un film hommage, ou un film explicatif. Dans « origines », c’est vrai, on peut comprendre « explications ». Mais pour les explications, on a les commentaires sur les DVD, les bonus. On ne pond pas tout un film pour expliquer un mythe. Surtout pas quand on est justement incapable de l’expliquer clairement. L’art de raconteur d’histoire, c’est avant tout l’art de rendre les choses simples… On passe d’un mythe qui était autrefois sujet à toutes les interprétations, à toutes les fantaisies, la nôtre, à cette chose indigeste. Le film en dit trop ou pas assez. Limiter les révélations, les idées, et les dévoiler clairement à l’esprit du spectateur : « Luke, je suis ton père ! » Simple, efficace. Ici : « oui, bon, alors…, je ne suis pas sûr, mais il se pourrait, je dis bien il se pourrait, qu’il y ait eu une espèce humaine, ou humanoïde, enfin extraterrestre, tu me suis ? qui serait à l’origine de l’humanité… » Heu, mais ça n’a rien à voir avec le mythe Alien, quel rapport ? Et ce n’est pas un peu du créationnisme cette histoire ? La théorie de l’évolution tu en fais quoi ?

Et sérieusement, c’est quoi le rapport entre cette huile noire dégoulinant du studio de X-Files avec cette espèce de zigouigoui sorti de Star Wars ?…

Je m’arrête deux secondes sur le design parce qu’il m’a donné mal aux yeux. Trop de couleurs, trop d’hologrammes m’as-tu-vu… « Regardez comme c’est beau et comme ça brille !… » Heu, mais on est où là ? Où est le style organico-gothique de Giger qui convenait si bien à un film d’horreur ? Certes il était intéressant de créer un contraste entre un vaisseau high-tech et la rudesse de la caverne (ou la cabine au fond des bois), mais on prend le risque encore une fois du manque d’unité. Si on fait de ce vaisseau une invention humanoïde, une espèce avancée, ça n’a plus aucun sens de jouer sur l’organico-gothique des origines. Il n’y a plus vraiment de contraste entre le monde connu, rassurant, propre et lisse, et le monde inconnu, visqueux, inquiétant, puisque le vaisseau selon toute logique doit lui aussi présenter un aspect suggérant l’avancée de cette espèce (même si c’est contraire au mythe initial). L’unité était parfaitement rendue dans les trois premiers volets, parce que les vaisseaux humains présentaient déjà un aspect métallique assez peu rassurant. Peu de contraste. Et il suffisait qu’à éteindre la lumière, instaurer la peur, un fond sonore, pour en faire l’antre de la bête. Dans le Huitième passager, l’utilisation des néons blancs avait déjà un côté organique, inquiétant, comme une lumière tamisée traversant la chair. C’était froid comme la lumière chez le dentiste avant qu’il vous charcute les gencives, c’était flou, et le tout offrait une atmosphère mystérieuse comme un brouillard, qui ne présageait rien de bon. Moins on voit, plus on devine, mieux le spectateur se porte. Les lumières rouges orangées de la salle « Maman » étaient dans le même ton : si ça clignote, c’est que tu es encore en vie, mais pour combien de temps ? Dans Alien 3, la prison était déjà humide, froide (et chaude à la fois), métallique, exactement comme la créature de Giger. Où ici trouve-t-on une unité ? Ça part dans tous les sens.

Donc oui, ce film n’avait rien de nécessaire. Expliquer un mythe, c’est tuer le mythe. Et on peut bien laisser Ridley Scott crier, ça vaut bien le Perdu dans l’espace avec Matt Leblanc…

Prométhée fait long feu. Le scénario n’est que poussière. Repose en paix, (feu) Ridley Scott.

(Note 2016 : Après Alien, Scott s’apprête à violer Blade Runner : Non, non, non !)

Prometheus, Ridley Scott 2012 | Twentieth Century Fox, Dune Entertainment, Scott Free Productions

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Skyline, The Brothers Strause (2010)

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Ça vole pas haut

Skyline

Note : 1.5 sur 5.

Année : 2010

Réalisation : The Brothers Strause

Il faut voir des navets pour se délecter du reste… Parfois, on se demande ce qui nous pousse à regarder des films dont on sait déjà qu’ils sont mauvais. Remarque, je n’avais pas encore vu la note IMDb et les commentaires. Parfois, on pourrait s’en passer, c’est sûr. Mais une bonne rigolade de temps à autre, voir qu’il est aussi facile de faire de la daube, c’est assez réjouissant. Un peu moins réjouissant quand on voit les revenus engrangés par le film. 10 millions de budget (dont la quasi-totalité semble être allée dans les effets spéciaux) pour des recettes s’élevant à plus de 60 millions.

Tout avait pourtant bien commencé. Un vrai film de série B, mais une ébauche de structure. Une entrée directement en action pour suivre les règles lucasiennes qui s’avèrent finalement être un flashback. On lève un sourcil à cet instant, c’est sûr, l’effet l’emporte sur la crédibilité du scénario. Tout ce qui précède « l’attaque des extraterrestres » a un but très clair. Nous présenter les personnages. Mais c’est là que ça devient drôle. Alors que le script suit un peu trop bien les recommandations des « écoles de scénario » pour les entrées en matière, tout ça part en fumée quand arrivent les petites bêtes venues de l’espace et qu’arrive l’action. On aurait pu penser que tous ces objectifs perso, ces conflits entre personnages, serviraient à alimenter le scénario entre les scènes d’action. Même pas. On a une intro, et pis vlan le scénario on le met à la poubelle. On finit tous les conflits, tous les objectifs de personnages par des « bah, il meurt, y a plus rien à résoudre ». C’est un peu comme un film de sortie de la Saint-Sylvestre. Le scénariste se dit qu’il serait temps qu’il se mette à soigner un scénar’, créer de vrais personnages, des conflits, et puis au bout de deux jours, les bonnes résolutions, on les envoie à la poubelle. « Wow, c’est trop cool de jouer à cache-cache avec les bébêtes. »

Tout s’écroule en fait après une énorme poilade. Une ou deux lignes de dialogues mûrement préparées et qui font flop. On apprend très vite que le personnage principal féminin est enceinte. Elle le révèle à son pote, personnage principal aussi du film. On a eu droit à une scène « émouvante » entre les deux. Tous les personnages, au sortir d’une folle nuit de débauche, ont essayé de semer les petites bébêtes et sont finalement revenus à leur point de départ : l’appart’ du pote où ils ont passé la fête. Là, une fille allume une cigarette, signe de son angoisse, le personnage principal féminin passe en arrière-plan derrière elle et lui demande de l’éteindre. « Pourquoi ? » Là, gros plan, arrêt de la musique, silence, attention, grande révélation : « Je suis enceinte ! » Hein, quoi ? Mais tu l’as déjà dit, on s’en fout. Ça sonne comme une révélation mais ce n’en est pas une. « Non, mais c’est au cas où kon aurait supprimé la scène présente, quoi… Parce que… on n’était pas sûrs de la garder tellement que… elle était nulle. » Malheureusement, quand on se rend compte que c’est toutes les scènes du film qui sont à jeter, on est bien obligé d’en garder quelque chose…

Tout est comme ça dans le film. Même dans les dialogues et les astuces du scénario, il n’y a que des effets… inutiles et pas vraiment opportuns. C’est comme si on avait les effets et qu’on devait broder autour des dialogues.

Pour montrer à quel point le film est bâclé, il faut voir la fin (j’ai tenu jusque-là j’avoue). Les deux personnages principaux (les deux derniers qui restent, fatalement) se font embarquer dans le ventre du vaisseau-mère entre Alien, V, la Guerre des mondes… La fille est donc enceinte, la bébête la scrute et remarque qu’elle a un polichinelle dans le tiroir. Hommage à Wall-E, et histoire de la garder en vie pendant que son pote se fait happer le cerveau par un monstre gluant qui en a besoin d’un, de cerveau (des extraterrestres viennent traverser des centaines de milliers d’années-lumière et tout ce qui les intéresse dans cette espèce forcément inférieure qu’est l’homme… c’est son cerveau — mais attention, pas n’importe lequel ! celui des habitants de LA — à croire que si les personnages principaux leur échappent si longtemps, c’est qu’ils viennent de New York — on n’a pas idée à quel point les extraterrestres ont mauvais goût). Le temps que le cerveau du bonhomme arrive dans son nouveau corps de monstre et la « chose » vient « sauver » sa belle des griffes d’un autre monstre qui la collait d’un peu trop près. La mémère chiale digne des meilleures scènes à Oscar en criant qu’elle a son bébé dans le ventre, la « chose » mue par le cerveau rouge du héros (et non plus bleu comme celui des extraterrestres — si, si) caresse le ventre de sa chérie avec sa main de trois mètres à trois griffes, façon Alien. Et là… ? L’héroïne reconnaît son jules (parce que dans les écoles de script, on a appris qu’il fallait une « reconnaissance » dans un dénouement, alors… on ne réfléchit pas…, on suit la règle, et on fout une scène de « reconnaissance »). Générique de fin. À nous d’imaginer ce qui se passe ensuite. (Sauf qu’on s’en moque).

Skyline, ce sont les lignes d’un script qui commencent un peu hésitantes, et qui finissent par disparaître comme une fumée de cigarette. Que du vent. À se demander si le scénariste avait bel et bien un polichinelle dans le tiroir à idée, lui.

Skyline, The Brothers Strause 2010 | Rogue Pictures, Hydraulx, Transmission Pictures

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Rollerball, Norman Jewison (1975)

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Roulé-boulé de la mort

Rollerball

Note : 3 sur 5.

Année : 1975

Réalisation : Norman Jewison

Avec : James Caan, John Houseman, Maud Adams

Assez abscons tout de même. Je m’attendais à un pur divertissement, et en fait, le film semble déjà critiquer ce qui viendra par la suite : la prise de pouvoir des organisations sur le monde, et pas seulement sportive. Remplaçant ainsi les États. Le sport comme opium du peuple, comme moyen de contrôler les masses. « Le confort, c’est la liberté » clame un des personnages. À mon avis, ça rejoint Orwell et toutes ces mises en garde de la S.F quant à l’aliénation de nos esprits. C’est clairement une lutte de l’individu face au système. Le système, c’est le mal. Le système contrôle nos esprits, etc. Il y a du vrai dans tout ça, sauf que le personnage de James Caan fait partie du système. C’est bien le système qui lui a permis de devenir une star. L’organisation crée un sport, et elle refuserait qu’il y ait des héros ? Ça n’a pas beaucoup de sens. On voit clairement le lien entre les jeux antiques, les gladiateurs. Je vois mal James Caan en Spartacus. Il se révolte parce qu’on veut le mettre à la retraite… Donc, il accepte le système, il en est la star. Vraiment bancal comme raisonnement.

Ce qui est curieux, c’est que peu après à cette époque, Stern prend le contrôle de la NBA et c’est Jordan qui arrivera un peu plus tard, monopolisant tout autant l’attention du public que le personnage de Caan pour son sport. Ça pourrait être une dénonciation du profit, de la course au spectacle (les matchs de rollerball existent aujourd’hui, un comble… : dénonce des pratiques, à la Scarface, et tu auras toujours la plupart des gens qui comprendront de travers le film, d’où l’intérêt d’être clair, ou d’éviter les films à message…). C’est un hymne à l’idéalisme, une critique d’une certaine forme de technocratie tout juste bonne à restreindre les libertés individuelles autant dire le communisme (très mentalité us ça où au contraire de chez nous on veut toujours moins d’État, ce qu’ils auront dans les 80’s avec Bush), et en même temps, une critique de la violence… J’avoue que ça ne veut pas trop dire grand-chose.

Il faut aussi souligner l’ennui du film. Les scènes de jeu sont répétitives, mais heureusement pas si présentes que ça dans le film. Il y a une volonté à la Orwell de présenter une société aseptisée où pas un esprit rebelle ne doit dépasser. Pour éviter que ça ne dépasse d’ailleurs on tue toute forme de culture, on détruit les livres d’histoire… Ça fout bien les jetons et c’est super froid, mais ça crée l’ennui aussi parce que c’est loin d’être un monde sympathique. Le personnage mène entre les scènes de rollerball une espèce d’enquête pour essayer de comprendre comment fonctionne l’organisation. Le problème, c’est que c’est juste survolé. On a aussi pas mal de scènes de bavardage éthérées, affalés dans des divans, à se demander ce qu’est le monde… Aucune psychologie, forcément, le but est de décrire des personnages sans âme… Autant voir THX de Lucas.

Moi qui m’attendais à un film d’action… C’est un peu comme voir Arnold Schwarzenegger philosopher dans Conan. On a un peu du mal à y croire, et surtout on n’est pas loin d’avoir une morale aussi fumante qu’une citation de Jean-Claude Van Damme.

Rollerball, Norman Jewison 1975 | Algonquin

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The Spirit, Frank Miller (2008)

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The Spirit

The Spirit Année : 2008
Réalisation :

Frank Miller
4/10  IMDb

La preuve qu’il ne faut pas seulement faire de bonnes images pour être un grand cinéaste.

Miller est le pape de la BD us, mais il n’a aucun sens du rythme cinématographique, un ton assez nonchalant, et aucun sens de la mise en scène. Aucune tension dans le jeu, aucun suspense, aucun mystère, tout joué à un pathétique premier degré. On n’est pas loin de l’esprit de la série Batman des 60 : Bing ! Bang ! C’est son style. Qui n’a rien de cinématographique. En plus de ça, aucun sens du montage, ou du découpage, devrait-on plutôt dire ici.

Assez affligeant. Mieux vaut revoir Sin City, plus maîtrisé avec Robert Rodriguez et Tarantino, voire le film français SF Renaissance.

The Spirit, Frank Miller 2008 | Lionsgate, Dark Lot Entertainment, MWM Studios

Shutter Island, Martin Scorsese (2010)

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L’île de Minos

Shutter Island

Note : 2.5 sur 5.

Année : 2010

Réalisation : Martin Scorsese

Avec : Leonardo DiCaprio, Emily Mortimer, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Max von Sydow

J’ai cru revivre Inception… Le même délire sans fin d’une réalité pas tout à fait comme on pourrait le penser, la mise en abîme facile d’un monde à l’intérieur d’un monde, des énigmes forcées pour maintenir le spectateur dans une ambiance mystérieuse…

Sauf que tout est forcé. On ne croit pas une seconde à cette histoire. Du moins, on n’entre pas du tout dans le jeu ou la tête de Di Caprio. Difficile de croire dès le début à cette histoire de policier qui vient enquêter sur une île de fou sur une disparition…, tant l’enquête est rapidement mise de côté pour les délires paranoïaques, hallucinatoires, du personnage de Di Caprio.

Le but du récit ici semble clair : il veut nous dire dès le départ que c’est Di Caprio qui est fou et qu’il va devoir s’évader… de sa propre folie. Intéressant. Sur le papier. Sauf que c’est un peu comme essayer de se repérer dans un labyrinthe sans lumière ou… sans fil directeur. Tenter de sortir d’un casse-tête, c’est intéressant à partir du moment où on a une idée d’où il faut aller. Si on navigue à vue, ce n’est rien qu’un grand huit où les effets se suivent. Aucun enjeu. Di Caprio enquête. Sur quoi ? On n’en sait rien. Son passé, des disparitions ? Il cherche son pote ? rencontre des fous tout aussi fous que lui ? On finit par s’en foutre totalement vu qu’on sent qu’on joue avec nous, sans nous laisser la possibilité de nous laisser croire que ce qu’on voit est vrai ou pas. C’est un peu comme vouloir faire un effet de surprise dans un film d’horreur et l’annoncer une heure à l’avance…

Tous les effets sont là pour faire de l’esbroufe. Scorsese se regarde entre train de nous tromper, et on le regarde en train de nous prendre à son propre piège… C’est du n’importe quoi. Les effets sont plus importants que l’histoire (vu que finalement il n’y en a pas : le fin mot de l’histoire est révélé à la fin, mais on s’en moque, ça ressemble à un prétexte de scénariste pour justifier ses gesticulations, alors qu’on devrait sentir cette réalité pendant tout le film sans le voir, on devrait avoir des indices… que dalle).

De la masturbation nolanesque. Les effets pour les effets. Par exemple, quand il interroge une nana, celle-ci profite de ce que son partenaire ait le dos tourné pour lui écrire un mot sur un papier : RUN ! Wow, énorme la révélation ! Tout ça pour ça. Aucun rapport avec le sujet réel du film qu’on apprend qu’à la fin, à savoir que Monsieur est fou et qu’il est le sujet d’une expérimentation de ses professeurs pour le faire sortir de sa folie (intéressant comme sujet, même si méga naïf et peu crédible, mais ça l’est encore moins, crédible, quand on ne joue cette partition qu’à la fin).

Et ultime revirement, quand Di Caprio revoit enfin le fin mot de l’histoire, de son histoire (scène pathétique de révélation à la limite du Grand-Guignol…, du genre on va vous révéler le fin mot de l’histoire… ; il ne manquait que les trompettes et le petit texte à la Tarantino : « La Révélation »). Le processus expérimental de recouvrement de la raison semble avoir porté ses fruits. Ils semblent avoir gagné contre la folie et la paranoïa (comme si on pouvait faire comprendre à un fou qu’il l’est… ; les troubles ils n’apparaissent pas parce que les sujets sont “déraisonnables” mais parce qu’il y a des dérèglements dans leur cerveau, bref, c’est de la science-fiction leur truc). Il semble donc avoir recouvré la raison… jusqu’à la scène finale où il craque et parle à celui qui jouait dans cette manipulation mentale son partenaire et qui est en fait l’un de ses psy, comme s’il était toujours son partenaire… Mmmh…

Revirement stupide, inexpliqué et dérisoire, que pour faire beau. Exactement comme dans Inception, le but n’est pas de raconter une histoire, c’est juste d’en mettre plein les yeux et la tête du spectateur. Au moins, contrairement à Inception, on ne ressort pas avec un gros mal de crâne parce qu’on a essayé de tout suivre… Là, on nous explique tout de suite qu’il est fou, qu’il ne faut pas faire attention à toutes ces scènes où il enquêtera vu que… il est comme dans un rêve. On regarde Di Caprio avec distance, on n’entre pas une seule seconde dans sa tête de maboule. Il peut pleurnicher et s’effrayer tant qu’il voudra, on n’en a rien à faire, vu qu’on sait qu’il est fou… jusqu’à la révélation finale du pourquoi, qui n’est qu’un prétexte à tout ce cirque…

Un grand n’importe quoi que beaucoup trouveront fascinant parce que le scénario fait semblant d’être compliqué. Des effets dans tous les sens, des énigmes (des anagrammes même, comme si un dingue pouvait construire sa folie autour de choses aussi rationnelles que des anagrammes…, ce n’est pas un film, c’est un jeu de mots croisés en images… ; ce ne sont même pas des énigmes, on nous montre ces anagrammes alors qu’on ne s’est jamais posé la question… ; en quelque sorte, c’est comme un jeu de mots croisés certes, mais avec déjà toutes les cases remplies, il n’y a pas d’énigme, que des dénouements, des fausses révélations : « whoah, c’était des anagrammes ! bah pfiou… on s’en tape »). Tout ça, ça ne fait pas un bon film. Un peu comme LOST. Ça doit être la mode. On fout plein d’énigmes à la suite, au bout d’un moment, on a une overdose parce qu’on n’a jamais le fin mot de l’histoire et que seuls les effets de mystère comptent, et le fin mot de l’histoire est du genre « c’est un rêve, c’est un fou »… Pratique, quand c’est un rêve, on peut toujours prétendre que telle ou telle chose n’est pas crédible et vraisemblable…

La mise en scène, la photo ont beau être excellentes, ça ne fait pas un bon film.

Shutter Island, Martin Scorsese 2010 | Paramount Pictures, Phoenix Pictures, Sikelia Productions

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Camp 731, Tun Fen Mou (1988)

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Camp 731

Men Behind the Sun Année : 1988
Réalisation :

Tun Fen Mou
5/10  IMDb

Film de guerre et d’horreur… pour dénoncer un crime reconnu depuis comme crime contre l’humanité mais finalement assez peu connu (reconnu tardivement, c’est loin…). En matière d’atrocités et de nombre de morts, on bat pourtant des records. En tout, c’est près d’un millier de morts quand on compte les victimes des camps ou ceux de la peste qui a suivi les expérimentations.

Le film est hongkongais, il n’est pas inutile de le préciser.

On y voit donc toutes sortes d’expériences menées par les médecins de l’un de ces camps en vue de créer de nouvelles armes bactériologiques, établir des données sur la résistance humaine. La fin fait encore plus tourner de l’œil : pour ne pas être poursuivi pour crime contre l’humanité, le responsable de ces camps passe un deal avec les Américains. Ils le laissent tranquille et il leur remet l’ensemble des données des travaux. Tout un “savoir” dont les USA se serviront pendant la guerre de Corée…

Bon appétit.

Men Behind the Sun, Camp 731, Tun Fen Mou 1988 | Sil-Metropole Organisation

Survivre avec les loups, Véra Belmont (2007)

limguela

Survivre avec les loups Année : 2007
Réalisation :

Véra Belmont
5/10  IMDb

Vu en janvier 2011

Faux fait divers. Ça doit être le film de chevet de Sarkozy. Depuis, l’auteure a révélé qu’elle avait menti. Dommage, ça casse l’ambiance. Tellement tiré par les cheveux qu’on ne pouvait y croire qu’avec le bandeau « histoire vraie ».

Avec un nouveau bandeau « elle s’est foutue de notre gueule », l’histoire devient moins intéressante, mais il faut avouer qu’on peut aussi y trouver un certain plaisir sadique, celui de démystifier les menteurs. C’est comme si Rain Man était tiré d’une histoire vraie et qu’on apprenait que l’autiste simulait depuis le début… On n’aime pas trop se faire prendre pour des cons. Pas vrai Nico ?

Survivre avec les loups, Véra Belmont 2007 | Stéphan Films, Les Aventuriers de l’Image, XO Productions

Danny Balint (The Believer), Henry Bean (2001)

limguela

Danny Balint

The Believer Année : 2001
Réalisation :

Henry Bean
5/10  IMDb

Le petit frère de American history X. Ou comment vouloir avec des grosses ficelles faire passer un message gnangnan, comment enfoncer des portes ouvertes, comment utiliser un fait divers pour faire avaler une histoire peu crédible, ou comment ajouter des effets visuels pour dire que c’est aussi un film, ou comment expliquer l’inexplicable.

On n’explique pas tout. Expliquer, c’est lourd. Expliquer, ce n’est pas du cinéma. Il y a sans doute plus de profondeur dans le nouveau Toy Story, et en tout cas plus de plaisir et de maîtrise…

Danny Balint (The Believer), Henry Bean 2001 | Fuller Films, Seven Arts Pictures