Dracula: Pages From a Virgin’s Diary, Guy Maddin (2002)

Dracula, pages tirées du journal d’une vierge

Dracula: Pages From a Virgin’s Diary Année : 2002

5/10 IMDb

Réalisation :

Guy Maddin

L’alliance « Dracula + ballet + film muet » était ambitieuse, mais tout l’éventail d’effets de scénographie déployé avec emphase se révèle assez peu cinématographiques.

On retrouve la même volonté de renouer avec le cinéma muet des frères Quay (tout ce petit monde est d’ailleurs distribué en France par ED distribution), doublé en plus ici d’une autre gageure relevant de l’impossible : filmer un art qui, à ma connaissance, n’a jamais été bien rendu à l’écran, le ballet (en dehors, peut-être, de West Side Story).

Le résultat est plutôt déconcertant et se révèle surtout assez peu cinématographique. Guy Maddin s’y prend comme un manche pour réaliser le ballet allant le plus souvent jusqu’à user de plans américains pour montrer les danseurs en action et, surtout, multiplie bien trop souvent les changements de caméra ou d’inserts pour faire oublier qu’il est en train de filmer un ballet. On a le plus souvent l’impression d’assister à une captation télévisée rehaussée d’effets « faisant cinéma », et plus spécifiquement cinéma muet, afin de faire oublier l’origine, ou la nature, du film.

En dehors de ces problèmes stylistiques inhérents au caractère protéiforme du film, on assiste sur l’écran à tout ce qui pose problème quand on vient à retranscrire un ballet par des images et du son : l’absence de réelle direction d’acteurs ; des acteurs certes très bons danseurs mais qui n’expriment pas grand-chose ou autrement que par leur gestuelle ; un montage un peu perdu qui coupe dans la choucroute (ou les gousses d’ail), et surtout une musique (Mahler pourtant) purement décorative semblant venir en dernier recours sur les images un peu comme dans un programme de danse sur glace.

Il faut toutefois remarquer le travail exceptionnel des danseurs, une scénographie magnifique, et surtout un sujet qui se prêtait parfaitement au ballet (et supposément au cinéma muet). L’idée par ailleurs de prendre un asiatique pour le rôle principal a cela d’étrange qu’on a parfois l’impression de suivre une adaptation de… Mister Butterfly plutôt que de Dracula


Les Sept Femmes de Barbe-Rousse, Stanley Donen (1954)

Les Sept Femmes de Barbe-Rousse

Seven Brides for Seven Brothers
Année : 1954

Réalisation :

Stanley Donen

Avec :

Jane Powell
Howard Keel
Jeff Richards

7/10 IMDb iCM

Listes :

MyMovies: A-C+

Lim’s favorite musicals

La mélodie du bonheur conjugal… Du Broadway typique avec ce qui fait encore le sel des comédies musicales des années 50, à savoir un goût pompier pas encore insupportable.

La fable est un peu grossière, même si on a du mal à la juger aujourd’hui : elle joue habilement sur les stéréotypes conservateurs, voire barbares (mais pour une fois, les rustres ne sont ni mandarins, ni arabes, ni gitans, mais les sept nains grand format), pour affirmer une morale civilisée, donc féministe pour l’époque, mais qui passerait pour rétrograde aujourd’hui. En revanche, cet aspect western, adapté comme toujours aux fables les plus simples et les plus efficaces, pointe du doigt une réalité bien vue : sans les femmes, les hommes resteraient probablement des êtres primitifs et violents, incapables de structurer une société digne de ce nom.

Voilà pour la fable. L’intérêt est peut-être plus dans la performance, parfois acrobatiques, des acteurs. L’acteur principal à voix de stentor en impose alors que le passage des dialogues vers le chant pourrait parfois faire ridicule (la comédie musicale des années 50, jusque dans les années 70 avec par exemple Un violon sur le toit, ne s’embarrasse plus des précautions des débuts préférant mettre en scène des « films de coulisses »), pourtant il garde toute son autorité grâce à une retenue impressionnante. Les batailles dansées (et pas seulement) sont une véritable réjouissance pour les yeux. Typique de Broadway encore, qui depuis les revues de Ned Wayburn tend à s’écarter toujours plus de l’esprit ballet pour créer des numéros basés sur des personnalités, de l’inventivité et de l’acrobatie.

Beau spectacle.

Trois Places pour le 26, Jacques Demy (1988)

Trois Places pour le 26

5/10 IMDb

Réalisation : Jacques Demy

Une histoire du cinéma français

« De Montand on pouvait niquer sa fille sans que ça pose aucun problème… »

Voilà comment pourrait être sous-titré le film. La légèreté douteuse de Jacques Demy… En somme, c’est Peau d’âne + Œdipe que Demy tente de nous faire passer pour quelque chose de fun… L’inceste est un vrai sujet de film qui ne peut être accessoire autour d’une vieille histoire d’amour et d’un film sur l’ambition (ou sur l’arrivisme). Traité par-dessus la jambe, ça devient vulgaire. Surtout quand la trame est ainsi cousue de fil blanc, qu’on voit le truc consternant arriver bien avant, et qu’on y fonce droit. Des petits cris quand les masques tombent, et là où commence Œdipe, Demy lui finit son spectacle d’un haussement d’épaule :

« Mais voyons, c’est pas grave : c’est fou ce que tu ressembles à ta mère. »

Sinon, (mauvais) hommage aux rehearsal movies de l’âge d’or. Un n’aura finalement qu’une confrontation entre Montand et Françoise Fabian (Dieu qu’elle est belle), pas assez pour créer une tension, évoquer les souvenirs, les problèmes, se moquer de l’autre, etc. Quant à la partition purement rehearsal, c’est complètement raté : la fille remplace au pied levé la comédienne prévue, et peu alors de rebondissements suivent.

Exploitation lisse et maladroite. C’est vrai aussi que ce qui est apprécié chez Jacques Demy, c’est son amateurisme, sa naïveté. On y retrouve d’ailleurs pas mal de Golden Eighties tourné deux ans plus tôt par Chantal Akerman.


 

L’Accordéon, Igor Savchenko (1934)

L’Accordéon

GarmonAnnée : 1934

3/10 IMDb

Réalisation :

Igor Savchenko

Avec :

Zoya Fyodorova, Pyotr Savin, Igor Savchenko

Stupide comédie musicale qui fait semblant d’apporter au milieu de son néant un peu de subversif en moquant le zèle d’un secrétaire d’une coopérative agricole. Mais il y a finalement pas grand-chose à sauver sinon l’intérêt folklorique de la chose.

Si on ne juge que l’aspect musical, c’est bien pauvre. L’aspect visuel passe encore, mais la postsynchronisation des chevaux, des pas, ou pire des routines de danse, alors là bravo.

J’ai cru comprendre qu’on réalisait ce même genre de comédies musicales champêtres en Corée du Nord. Le vide absolu. La consensualité mièvre avec le pouvoir à travers l’exaltation de valeurs faussement populaires.


 

Dance Girl, Dance, Dorothy Arzner (1940)

La blonde ou la rousse

Dance Girl, Dance
Année : 1940

Réalisation :

Dorothy Arzner

Avec :

Maureen O’Hara
Louis Hayward
Lucille Ball
Virginia Field
Ralph Bellamy
Maria Ouspenskaya

8/10 IMDb iCM

Listes :

MyMovies: A-C+

Lim’s favorite musicals

L’histoire (et la révolution presque) de la danse made in Broadway résumée en une phrase prononcée par un directeur de revue : « C’est trop classique ».

1940, on arrive bien après la musique, car tout le Broadway qui viendra par la suite dans les comédies musicales de l’autre côté de l’Amérique dans les années 30 s’est joué dans les années 10-20 autour des revues Ziegfeld. Ce n’est pas tout à fait cette histoire qu’on voit ici parce qu’on est donc bien après, mais c’est la même problématique : comment arriver à proposer au public un genre de spectacle typiquement américain qui soit à la fois populaire et pas trop olé-olé comme le sont ceux des cabarets burlesques. Ziegfeld s’était inspiré d’abord des revues parisiennes, plutôt dénudées et moins vulgaires que le “burlesque” joué dans des clubs uniquement constitués d’hommes (on en voit un exemple au début du film où Lucille Ball est tout bonnement exceptionnelle). L’enjeu alors était de proposer une passerelle entre la danse classique pour un public de la haute et ce spectacle “burlesque” (dénudé). Notre directeur de spectacle en quête de nouveauté, et plutôt habitué aux spectacles « classiques » se met donc en tête de trouver un type de danseuses moins performantes techniquement, mais avec une personnalité certaine, non vulgaire.

Le film met alors en parallèle deux de ces caractères.

L’un qui monte très vite les marches de la gloire, interprétée par Lucille Ball, fait le lien entre le burlesque et le vaudeville (une forme de music-hall populaire mais décent dont Ziegfeld s’inspirera aussi beaucoup) : son spectacle n’est pas si dénudé que ça, elle chante (assez mal), mais surtout elle fait rire et met le public dans sa poche grâce à son incroyable personnalité. Tout Ziegfled est là (donc la comédie musicale, parfois plus « comédie » que « musicale »). Pas mal des filles de sa revue étaient passés par les cours de Ned Wayburn qui était également chorégraphe de ses spectacles. Et pour Wayburn, la personnalité, la comédie, étaient plus importants que la technique. Surtout, il a fait entrer la musique et la danse populaire qu’on appelait alors ragtime (si je ne dis encore pas de bêtise et si ma mémoire est bonne…), et que les petites filles chez nous apprennent maintenant quand elles décident de prendre des cours de danse “jazz”, pour les propulser sur les grandes scènes de Broadway. Lucille Ball ne fait pas de claquettes, c’est pas ce qu’on lui demande, mais dans ce type de spectacle, il faut avoir à proposer un “numéro”, et si on connaît un peu la demoiselle, on se doute de ce qu’elle peut avoir à offrir. Il y a toujours un peu de danse, de chant, de nue et d’humour, c’est cet esprit qui fera le succès de Ziegfeld, puis des comédies musicales de Hollywood, et c’est donc cette mayonnaise à trouver qui est très bien décrite ici.

Dance Girl, Dance, Dorothy Arzner (1940) | RKO Radio Pictures

Et puis il y a le personnage de Maureen O’Hara, dont le style est plus classique, franchement classique même, mais sans avoir la rigueur et la technique des meilleures. Elle n’a aucune chance de rivaliser avec les danseuses de ballet ou encore des spectacles comme ici qui se “cherchent” (elle vient pour une audition et voit justement la technique de ces danseuses et se barre illico comprenant qu’elle n’est pas à la hauteur). Seulement, tout comme le personnage de Lucille Ball, celui de O’hara a ce quelque chose en plus qui est plus précieux que la technique à l’époque : la personnalité. Une personnalité aux antipodes de son amie (Lucille Ball, Maureen O’Hara, j’ai besoin de faire un dessin ?). Bien sûr, on est à Hollywood, tout le film sert donc à tracer la voie plutôt houleuse qu’empruntera Maureen O’Hara vers le succès. On le sait de suite, le directeur de théâtre qui recherche ce petit quelque chose de moins “classique”, c’est en elle qu’il le trouve. Seulement voilà, la Maureen est un oiseau rare, et une fois qu’on lui laisse l’occasion de s’envoler, elle ne se gêne pas et disparaît. Le reste est plus convenu, attendu, mais très bien mené.

Ironiquement, en plein âge d’or de la comédie musicale (et de Eleanor Powell), le film reste beaucoup plus intéressant pour décrire ces enjeux-là (ceux qui s’étaient joués quelques décennies plus tôt à Broadway et qui dessineront les codes des musicals hollywoodiens), ou taper dans la romance — beaucoup moins dans la “danse” (Eleanor Powell avait une personnalité et une technique, mais des Eleanor Powell, il n’y en a qu’une par siècle). Parce que si Lucille Ball se fait surtout remarquer pour autre chose, Maureen O’Hoara se contente de quelques pas classiques bien loin de ce qu’on pourrait attendre précisément d’une “personnalité”. C’est que le film se termine ici, une fois que le directeur et sa danseuse se rencontre pour de bon. On ne verra jamais le fruit de leur travail. Le mirage du rêve hollywoodien bien sûr, parce qu’à ce stade, rien ne dit qu’une personnalité puisse avoir, avec sa seule personnalité, un numéro à proposer dans une revue… Au moins, Lucille Ball, on l’y aura vue dans un numéro abouti.


J’en ai fini avec cette rétro à la cinémathèque. Confirmation que Dorothy Arzner n’est pas une cinéaste à proprement parler, autrement dit un auteur. Une employée modèle plutôt, prête à se mettre au service des projets initiés par d’autres (les studios en particulier). Directrice d’actrices plutôt médiocre, elle est surtout très habile avec sa caméra à une époque où il fallait justement “inventer” le classicisme hollywoodien. C’est par rien, parce qu’à ce niveau elle est parfaite. En restant transparente, elle illustre très bien ce que doit être un metteur en scène à cette époque à Hollywood : tout sauf un auteur. Et ça se voit très bien dans sa filmo : aucune homogénéité. De très bonnes surprises, et dans tous les genres, mais aussi des horreurs. Et puisqu’on en parle précisément dans ce film : Y a-t-il une personnalité derrière la caméra ? Non aucune. Donc pas de cinéaste, pas d’auteur. Une employée modèle, comme tant d’autres. Maintenant, si la cinémathèque veut honorer des femmes, c’est clairement pas avec des femmes qui ont exercé en tant que réalisatrice qu’il faut le faire. Mais avec des actrices ou des scénaristes. L’âge d’or de Hollywood, c’est avant tout des actrices qui portent la culotte. Et faut-il le préciser, Jane Birkin n’est pas une actrice de l’âge d’or de Hollywood.

Si l’on mariait papa, Frank Capra (1951)

Si l’on mariait papa

Here Comes the Groom
Année : 1951

Réalisation :

Frank Capra

Avec :

Bing Crosby
Jane Wyman
Alexis Smith
Franchot Tone
James Barton

9/10 IMDb iCM

Listes :

— TOP FILMS

Limguela top films

L’obscurité de Lim

MyMovies: A-C+

Lim’s favorite comedies

Lim’s favorite musicals

Plus une screwball comedy qu’une véritable comédie musicale (Robert Riskin — NewYork-Miami, Vous ne l’emporterez pas avec vous — est de la partie). Ç’a peut-être quinze ans de retard (y compris sur l’âge des acteurs), mais ç’a le bon goût de rester en noir et blanc, et quel bonheur… À croire que Gene Kelly a piqué toutes les expressions de Bing Crosby et que Jane Wyman n’a pas eu la carrière (comique) qu’elle méritait, plus abonnée par la suite aux mélodrames sirupeux. Le moindre second rôle est un régal. Pas l’ombre d’un personnage antipathique. Et un bel exploit, trouver un gosse de dix ans parfaitement bilingue et être capable de nous décrocher à chaque fois un sourire… Le sourire d’ailleurs, il ne nous quitte pas tout au long du film.


 

Eleanor Powell êtes-elle surcoté ? [article interdit aux – 18]

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[Attention spoilers sous les bras]

Alors voilà, je voulez vous demandé qu’est-ce que vous pensé, vous les fans qui s’y trouvent dans la sale, de cette soi disante actrice qui depuis maintenant dix ans est considéré ,par l’inteliengentia critique du gotta de la crème en costard, comme la meilleur actrice depuis Sarah & Bernard. Ne pensiez vous pas qu’une vulgaire danceuse puisse être considéré au même point que d’autres actrices j’ai nommé Mary Pickford, Greta Garbo, Mary Pickford, Irene Dunne, Barbara Standwick? Susait-elle autre chose qu’une danceuse, Elaenor Powell ne mérite pas à mon humble opinion tout se tourletintouin. Est-ce que vous ête vous donc des moutons à ne pas avoir les yeux en face des trous pour faire de cette diva la « meilleur actice de son temps » ?

Pour vous montrez à quel point cette danceuse de cabaret ne mérite pas ce titre dicerné il y a encore pas si long temps à Mary Pickford, je vous propose de faire le point sur sa carrière (qui ditons est sur le point de sa chevée, ouf).

Première pi_èce à convcition : George White’s 1935 Scandals

Tout le monde connait George White et la qualité de ses revus surtout depuis l’apparition de ses sucenommés « scandals ». Fort de son succès ,il décide d’en faire une série de films à Hollywood qui doit faire face alors à une crise depuis l’événement du parlant (le procédé technique n’est pas fameux et surtout Mary Pickford a décidé de ne pas poursuivre l’aventure temps qu’on ne refera pas des films sérieux). C’est là qu’il propose à cette Powell (ne lui faisont pas l’honneur de lui attribuer un prénom) de venir faire tapette dans son show. Ce qu’elle fut avec plus ou moins de succès dans ce numéro affligeant comme nous pouvions le voir dans cette vidéo. Remarquons déjà que loin d’adopter le tutu d’usage ,Eleanor (ne lui faisont pas l’honneur de lui affubler un patronyme) arbore avec insolence un pantalon. Et plus qu’une dance nous parlerions plutôt de gymnastique digne des pires gitanes enflammée.

Deuzième pièce : The Broadway Melody Of 1936 D’accord, c’est déjà loin, dix ans, mais rappelez vous combien ce film fut insensé par la presse aux Oscars !

Un voile n’a pas de costume, je commence par la fin du film (ce qui devait être un soulagement fut une seconde couche sur la tartine). Je vous le mets dans le mille ,cette Powell (aucun lien de parenté avec Dick Powell, mon acteur favori malgré sa collaboration au cinéma parlant) continue de se trémousser en pantalon ! On l’y voit aussi massacrer ce classique du musical all vu souvent dans les revues de George White : Got a dance, et qui apparaît ici transformé en Gotta dance (voyez la nuance du saboteur plagiste). Un peu avant on la vois dans un numéro qui est selon ses tracteurs celui qui lui vaut le titre de queen of taps (titre qu’elle arbora souvent avant de se faire passer pour la meilleur actrice avant que la terre est jamais porté depuis Sarah & bernard) :

Un belle affront pour le talent français (son accent est pitoyable et l’interprétation gloabelemnt médiocre) , lui manquerait seulement une plume dans le derrière et voilà! (encore une fois Robert Taylor sert de faire valoir gominé pour faire passer la pilule).

Troisième pièce à convition : L’Amiral mène la dance

Le plus mauvais film du jeune James Stewart assuréement. La production, la même année que le précédent pourtant, semble faire marche arrière et cette …Powell apparait en jupe. Mais quelle honte! Si on a inventé le parlant pour voir ça, non non non !

Quatrème pièce Broadway Melody of 1938

Ah, cette mode des séries ! j’en peux plus de cette facilité ! Encore heureux que les Oscars cette fois ne s’y seront pas laissez prendre …Encore une fois, c’est le final qui fait l’objet de toute mon attention. Une fille (en pantalon, je vous le donne dans le mille) qui parade au milieu des hommes, gesticulant comme une pie et se laissant tripoter sans le moindre tutu ! Je cherche encore où ce situe la « grande actrice » dans ce numéro lamentable ! Il n’y a pas une larme de Mary Pickford dans toute cette vulgarité!

Broadway Melody of 1940

Le supplice continut! Et cette fois, ce n’est plus Robert Taylor qu’elle humilie de sa présence mais le grand Fred Astaire (plus connu de son nom de scène, Adele & Fred). Robe blanche un tentinet trop similaire à la couleur du costume de Fred (on subodore déjà la tentative de plagia), et encore une fois, les genoux sont visibles (aucun tutu et en prime une musique de jeune pour être dans le vent …). Même entant que danceuse, cette Powell (aucun lien filatoire avec The Thin – moustache — Man ; William Powell) ne vaut pas un orteil de la grande Adele Astaire !

Dans Honolulu (le titre annonce déjà la couleur !)

Comment elle se la tap… Et le pompon sur le gâteau :

Et la goutte d’eau qui a fait déborder la valse :

Plus grande actrice de tous les temps ? Sérieusement messieurs les senseurs?!!!

Quand je vois que son dernier film est en passe de dépasser Fight club en terme de nombre de notes sur IMBd, je tombe de mon pied d’estal ! En parlant de Fight, voici celle proposé dans un des Broadway Melody (ce serait trop d’honneur d’en siter le millésime) :

Quelle violence …S’il suffisait de savoir dancer pour être considéré comme « grand acteur » Sarah & Bernad ne furent jamais les plus grands (avec leurs jambes de bois, ditons) :

(cette musique du diable me rend malade …comment peut-on supporter un tel bruit… Mary Pickford a bien raison de ne pas vouloir participer à cette décadence !)

J’attends les avis de ceux qui disent qui sont fans de cette actrice. Qu’on m’explique. Argumentez s’il vous plaît et n’oubliez pas que tout ce que vous diseriez n’engage que votre opinion subjective.

Désolé pour ma prononciation quelle que peu bucolique.